Revoltes artístiques

El pintor de les dones boniques

2012-02-09T09:09:00.001+01:00

La ciutat de Viena celebra aquest 2012 els 150 anys del naixement d’un pintor excepcional: Gustav Klimt, amb una producció tan escassa com intensa i exuberant.

El govern austríac acceptava fa sis anys la sentència d’un jutjat d’arbitratge que suposava la pèrdua de la titularitat estatal de cinc quadres de Gustav Klimt (1862-1918), entre els quals es trobava un dels més reconeguts i reproduïts: el Retrat d’Adele Bloch. L'estiu de 1903, Ferdinand Bloch-Blauer va demanar a Klimt pintar un retrat de la seva dona, amb la intenció de regalar-li pel seu aniversari. La pintura mostra Adele asseguda en un tron d’or amb un cel estrellat, un collaret i un vestit esplèndid.

Les obres eren propietat de Ferdinand però el 1938 els nazis van entrar a Viena i els van confiscar. Ferdinand va canviar després el testament i va deixar els quadres als seus nebots, entre ells Maria Altmann. El litigi va ser molt complicat fins a la decisió jurídica final. Finalment, la persona beneficiada per la sentència fou ella, neboda d’Adele, una de les grans muses de Klimt. Maria Altmann, que el 2006 tenia 89 anys, va declarar que desitjaria que els retrats es quedessin a Àustria i que fossin comprats per museus i no per col·leccionistes privats. Bona decisió perquè ara aquests quadres també formen part de la gran exposició retrospectiva per commemorar el 150 anys del naixement de Gustav Klimt. Les seves figures són presentades en un univers refinat, eròtic i tràgic alhora. Potser el seu gran decorativisme ha fet que fins i tot Ikea l’arribés a banalitzar, fent-ne rèpliques de paper higiènic.

El Modernisme, Art Nouveau, Modern Style, Jugenndstil, Secession, Glasgow Style, Liberty i l’Arte Nova són moviments coetanis que es van desenvolupar a cavall dels segles XIX i XX amb la voluntat comuna de trencar, de superar els cànons i de cercar noves formes, inspirant-se en la tradició pròpia de cada país.

La Sezession vienesa, fou fundada l’any 1897 per Josef Maria Olbrich, Joseph Hoffmann i el Klimt, que va ser el principal impulsor i el primer president a més d’un creador sensual, fins i tot oníric, en què celebrava la dona entre ornaments, colors vius, daurats, formes geomètriques i corbes lineals.

El Palau del Belvedere de la capital austríaca acull la major col.lecció de les pintures de Klimt, i a través de nombroses obres, plànols originals, reconstruccions elaborades i documents històrics, l'espectacle que ofereix la seva col.lecció il.lustra l'impacte de la gènesi i el desenvolupament dels projectes del Modernisme en aquell país.

Amb l’exposició Gustav Klimt / Josef Hoffmann. Pioners de l’Art Modern, el Palau Belvedere ret homenatge fins a l’abril a dos innovadors en una exposició integral. El pintor Gustav Klimt i l'arquitecte i dissenyador d'interiors Josef Hoffmann comparteixen una visió comuna d'un art que havia de fornir tots els àmbits de la vida.

Durant més de dues dècades es van unir en les seves activitats artístiques i socials; Klimt i Hoffman freqüentaven els mateixos cercles, treballaven pel mateix tipus de clients i tots dos van ser personalitats destacades en l'escena de l'art vienès. Els dos creadors es va esforçar per establir una harmonia entre la pintura i les arts aplicades i establir nous punts de referència a Europa pel que fa al concepte de la Gesamtkunstwerk.

Gustav Mahler va compondre “la música nova”, Otto Wagner i Adolf Loos edificis a l'estil Art Nouveau, Sigmund Freud va desenvolupar el psicoanàlisi i l’escriptor i metge neuròleg Arthur Schnitzler va escriure el 1926 sobre sexualitat, la seva novel.la Història Somiada, inspiradora de la pel.lícula Eyes Wide Shut, dirigida l’any 1999 per Stanley Kubrick.

Vuit espais diferents amb exposicions que s’allargaran tot el 2012: d’aquí a pocs dies el Kunsthistorisches Museum inaugura una mostra amb 13 obres importants i els esbossos de l’escala principal del museu que Klimt va iniciar el 1890; a final de mes el Museu Leopold mostrarà part de la correspondència dels seus viatges o a partir del 14 de març el Museu Albertina mostrarà 170 dibuixos provinents de col.leccions austríaques i internacionals.

En temps de màrqueting com el nostre, i a ciutats que ambicionen una gran projecció, com ara Viena, sembla inevitable la temptació de promoure la ciutat per mitjà de personatges cèlebres, pel·lícules-postal o quadres: Mozart, Johan Strauss, Freud, Adler, Mahler, Schonberg i Klimt ressonen amb força.

Utopías sociales

2012-02-06T09:14:00.000+01:00

El arte, como terapia social o como generador de acciones que impulsen una mejoría y una cierta conciencia crítica, es una realidad que se produce en pocas ocasiones.

La práctica del dibujo en el artista actual ya no posee el mismo significado que podía tener en otro momento; no es un dibujo preparatorio, ni un boceto de una obra más importante, se ha convertido en un medio de expresión por si mismo. Los artistas dibujan, pero a la vez trabajan en una obra tridimensional, en una fotografía, en un vídeo o en una pintura. Este el espíritu con el que propone el arte Marcelo Víquez (Montevideo, 1971), en tiempos de mirada electrónica crea ese juego de técnicas, esos trazos al presente congelado tan esencial y depurado, pero a la vez tan radical.

El artista nos propone imágenes narrativas emocionalmente densas que esconden el retrato de nosotros mismos; Víquez plasma la figura de antihéroe entendido como protagonista de su propia bitácora moral y la hace extensible a nuestros complejos, contrariedades, perversiones, incluso flaquezas. Una obra en la que mezcla la maestría con la perversidad, un cóctel explosivo que sigue la tradición de los surrealistas de las vanguardias históricas como Breton o Picabia, y de cineastas como Buñuel o Berlanga. Víquez recurre al cuerpo como la principal fuente de inspiración de un hombre que derriba los límites y abre las puertas a múltiples situaciones en torno a la identidad. Trazos que relatan visualmente intimidades, primitivas pulsiones cargadas de experiencia, de memoria, y que excavan en historias que retratan una cultura que no llega a resolverse.

Intensidad y potencia de unas imágenes incomodas y agrias, pero a la vez sensibles y bellas, que nos permiten profundizar en la rotunda visión crítica y el compromiso de expresarlas como mejor sabe hacerlo Marcelo Víquez: con sentido del humor y una saludable mala leche.

Entre lo racional y lo sensorial

2012-01-30T08:51:00.001+01:00

La apuesta por el arte actual ha sido siempre el gran reto de las galerías de arte y en esto precisamente ha consistido su riesgo. Éxitos pero también fracasos han acompañado a la historia de muchas galerías, elaborando la verdadera historia de las vanguardias: es aquí donde yace su trabajo de precursor que no tienen las instituciones, más aún en la época actual. Se impone una cierta reflexión entorno la necesidad de nuevos rumbos.

El recorte económico en educación, cultura y arte se hace evidente en la poca inversión institucional, ante este desolador panorama, surgen iniciativas que revaloran la puesta de escena del arte que conserva, afortunadamente, la carta de la licencia poética y se le permite ocupar espacios tan terrenales como el que nos propone Louis21 The Gallery en su nuevo recorrido.

Su primera etapa era fresca y original, ciertamente notoria, pero no obtuvo la respuesta comercial ni conceptual que se merecía. Hoy, convertida en galería convencional, intenta hacerse un hueco en el panorama artístico de Ciutat y presenta hasta finales de esta semana la propuesta de dos jóvenes artistas.

La de Jordi Ribes (Barcelona, 1972) se basa en telas exuberantes de paisajes sin perspectiva, pletóricas de exotismo y color que me remiten a obras de Douanier Rosseau (1844-1910), uno de los principales precursores del arte moderno y cuya influencia va más allá de la temprana consideración del artista extraño. Los de Ribes son escenarios que trasladan al espectador a un espacio onírico con múltiples interpretaciones: delirios personales, escenarios estrambóticos, referencias a Vermeer, a la cultura popular o hasta a Magritte, por su carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas.

La escultora Clara Carvajal (Madrid, 1970) muestra un par de piezas realizadas con materiales sencillos y volúmenes compactos que extrae directamente de la naturaleza para transmitir, por un lado una cierta protección, por el otro una cierta sorpresa con una resolución formal que prevalecerá sobre cualquier otra referencia que pueda existir.

Martin Boyce: Premi Turner 2011

2012-01-26T09:35:00.002+01:00

Des de fa vint anys se celebra un dels premis d'Arts Plàstiques més famosos i polèmics del eón: el Turner Prize. No hi ha any, sobretot des dels guardons més recents, que van constituir fites publicitàries en els mitjans, com les vegades en què van guanyar Damien Hirst (1995), Anish Kapoor (1991) o Tracey Emin (1999) amb la seva polèmica obra “My Bed”.

El passat 5 de desembre el fotògraf italià Mario Testino, famós per retratar el món de la moda i multitud de celebritats arreu del món, va presentar-ne la cerimònia, que per primera vegada en els 27 anys d'història del guardó, no es va celebrar en una de les seus dels museus Tate, sinó en el Baltic Centre de la localitat de Gateshead, una condició itinerant del premi per successives ciutats del Regne Unit, després dels Jocs Olímpics de Londres 2012.

Abans de l'estiu es sabien els nominats: Martin Boyce, George Shaw, Karla Black i Hilary Loyd, i certes seccions de cultura dels diaris britànics, especialment The Telegraph, feien travesses sobre qui seria el guanyador. Tot estava calculat: els nominats eren un pintor, una escultora, una videoartista i un instal.lador, el que cobria l'espectre de les formes artístiques que el públic esperava d'un premi com el Turner.

L’escocès Martin Boyce (Hamilton, 1967) és una figura que cau bé: és professor de l'Escola d'Art de Glasgow, la ciutat escocesa que constitueix el veritable centre de la modernitat cultural al nord del Regne Unit, i la seva obra ironitza sobre estils del passat, com la taula de disseny modernista amb la que Boyce es va presentar al guardó i finalment es va proclamar guanyador.

L'artista, que va ser nominat pel seu treball a la galeria The Modern Institute de Glasgow, va representar a Escòcia a la Biennal de Venècia de 2009, i és un dels grans renovadors del llenguatge escultòric que sol explorar l'immens llegat deixat per la riquíssima tradició britànica. Boyce forma part també d'una generació molt particular dels artistes que va estudiar a la Glasglow School of Art.

A Library of Leaves és una instal.lació fràgil i poètica de forma rectangular, gens estrident i més aviat silenciosa, d’aquestes que defensen l’art difícil. En una entrevista publicada recentment al diari The Guardian, l’artista alemany Anselm Kiefer assegurava que “l’art és difícil, no es tracta d’entreteniment. Hi ha poca gent que pugui dir alguna cosa sobre art. És molt restrictiu”. Amb això Kiefer defensava la reflexió davant l’obra d’art i l’afirmació, que tant comparteixo, que comprar art no vol dir entendre-hi ni comprendre’l.

La peça de Boyce va ser triada pel jurat després de ser exposada a la galeria Eva Presenhuber de Zurich, i evoca un parc melancòlic a través d’uns arbres metàl.lics i fulls de paper. Un treball concebut com un paisatge peculiar, el col.lapse de l'interior i el món exterior, però és més un paisatge íntim i personal que cal observar detingudament. Amb reminiscències a Alexander Calder i els seus mòbils, on res és estàtic, tot sura a l’espai i es lliura als equilibris i cadències que la gravetat pugui generar. Calder ja parlava de poesia, però també d’enginy, humor i ingenuïtat de les seves obres. Un altre escultor que va ser definit per Jean-Paul Sartre com l’artista que “menteix menys en el seu art”. A Ciutat ens queda el regal que Calder ens va fer l’any 1973: el mòbil “Nancy” situat davant el Palau de l’Almudaina.

Un pioner de l’escultura del qui segur Boyce n’és en gran mesura hereu, igual que molts altres creadors com la gran Louise Bourgeois, i innovadors icones del modernisme com Jean Prouvé i els bessons Joel i Jan Martel.

La instal.lació A Library of Leaves va ser ideada per Boyce a partir d’una taula de treball dissenyada per Jean Prouvé (1901-1981), un visionari de l’arquitectura prefabricada i autor de mobles exquisits. A partir d’ella, Boyce en fa un homenatge al Modernisme que tracta sobre l’espai, els espais entre les escultures i les escultures en sí mateixes.

25.000 lliures per una obra que alguns crítics han qualificat com la millor dels 27 anys d’història dels Turner. Aquí comença el debat sobre el que constitueix l’art, en aquest sentit us recomano la lectura de “La querella del arte contemporáneo” de Marc Jiménez, on certes polèmiques i debats oposen a defensors i detractors de la creació artística dels nostres dies.

Poéticas de intervención

2012-01-23T09:04:00.001+01:00

En noviembre de 1955 se creó con un capital inicial de un millón de dólares la Fundación Juan March. Como los grandes capitalistas anglosajones, March buscaba el reconocimiento social del mundo de la política y de la cultura, en un momento en el que había alcanzado la cima de su riqueza.

Su sede, en la calle Sant Miquel, fue erigida en 1917 por obra del arquitecto Guillem Reynés. March tenía allí un despacho majestuoso, un salón estilo Luis XVI, un drawing room con frisos de Darío Vilas y Fausto Morell, y una espectacular escalera de mármol de carrara que aún da acceso al reconvertido en 1990 en museo de arte contemporáneo.

Una de sus salas acoge estos días una muestra de lo que significó en el mundo del arte, esta sí una gran personalidad, el galerista y marchante de arte Leo Castelli (Trieste, 1907-1999). Cincuenta años marcando una forma de comprar y exponer obras de arte que convirtió Leo Castelli en un todo un empresario galerista. Descubridor de los artistas del pop norteamericano e inventor de un mercado frenético e incontenible por la crítica europea y los ricos clientes americanos. Un talento avanzado a su tiempo, con una intuición casi infalible para comprender el complicado engranaje del mercado moderno y los secretos del marketing.

El primer contacto de Castelli con la Fundación Juan March fue a finales de los años setenta con un préstamo de obras, aunque que no es hasta 1988 cuando la Fundación March en Madrid acoge una exposición de 60 obras de los fondos particulares del galerista.

Con motivo de su 90 cumpleaños uno de sus hijos le regaló un porfolio de 9 grabados muy vinculados a su trayectoria, con obras de Jasper Johns, Richard Serra, Robert Rauschenberg o Bruce Nauman. La edición fue de 90 ejemplares 88 de los cuales Castelli repartió por museos e instituciones vinculadas para mostrar a modo de homenaje sus grandes pasiones.

Una muestra más sentimental que grandiosa pero que nos acerca a una de las figuras más importantes del arte contemporáneo.

Lo sabían muy bien los surrealistas

2012-01-16T08:41:00.001+01:00

Una instalación de Rebecca Horn, Las Amantes, heredera de una de Marcel Duchamp, hacía un curioso homenaje a la pintura en 1989; un mecanismo dirigido por un robot ejecutaba una obra mural en la pared con tinta negra y champán rosado.

El azar mecánico tenía la potestad de elaborar una obra de arte, convirtiéndose obra y artista al mismo tiempo. El desaparecido modisto Alexander McQuenn se inspiró en esta obra para su colección del año siguiente.

Abstracción pura, rítmica y musical es la que consigue Antonio Paucar (Perú, 1973) en su conjunto de obras que presenta estos días en la Galeria Maior de Ciutat: una performance de la que ha quedado una impactante instalación, pero también obras sobre papel y un vídeo titulado Calligraphy of the dancers Wood and Plastic, y que nos acerca a los recorridos de tinta que plasma en sus papeles con total libertad de movimiento, de los que en su día Rebecca Horn propuso en su homenaje pictórico.

La obra de Paucar es poética; son composiciones complejas, de formas fluctuantes, trazadas en el papel por unas peonzas y que relacionan en un orden inestable una escritura poética de componentes instintivos.

La performance Mapa Vascular; a través de unos decantadores, vino tinto y pajitas, consigue establecer un recorrido en movimiento que transita por las paredes de la galería. Paucar toma la línea de la mirada como un cómputo de los días y la memoria. El efecto es impecable: el dibujo se hace cuerpo e invoca a la circularidad del tiempo y de la mente, una idea que Nietzsche nos lanzaba como el reto de desear vivir de nuevo cada momento del tiempo una vez y otra. Imagen terrible de la eternidad que tensa el arco de la vida hasta los límites.

Con el título de La circulación del pensamiento Antonio Paucar explicita este afán por seguir adelante para experimentar, descubrir e investigar nuevos formatos y nuevas expresiones. Con ello articula esta necesidad de salir de una vía y volver por otra al punto de partida.

El talent dels visionaris

2012-01-12T09:20:00.001+01:00

Tot va començar amb un regal d’aniversari. En motiu dels 90 anys del conegut col.leccionista i marxant d’art Leo Castelli (Trieste, 1907- Nova York, 1999), el seu fill va decidir fer-li un regal molt especial: un portfoli que incloïa 9 gravats de 9 artistes molt vinculats a la seva galeria novaiorquesa: Jasper Johns, Ellsworth Kelly, Joseph Kosuth, Roy Lichtenstein, Richard Serra, Robert Rauschenberg (el primer artista nordamericà que va descobrir), James Rosenquist, Edward Ruscha i Bruce Nauman.

Leo Castelli va emigrar d’una ciutat del nord d’Itàlia, va recalar uns anys a París i va marxar als Estats Units fugint del feixisme. L’any 1957 va obrir una galeria d’art al 420 del West Broadway en un moment en què s’iniciaven moviments artístics tan importants com l’Expressionisme Abstracte o l’Art Pop.

Uns anys en que Castelli va coincidir amb un nou estil de vida, el conegut way of life, possible gràcies al boom de la publicitat i la disminució de la qualitat dels productes, amb la finalitat que tinguessin menys temps de vida útil, i que fos necessari comprar-ne de nous. Vaja, un concepte de vida estès en la geografia i el temps.

Cinquanta anys marcant una manera de comprar i exposar obres d’art que va convertir Leo Castelli en un tot un empresari galerista, en un escenari molt diferent d’avui dia, petit i interconnectat. Descobridor dels artistes del pop nordamericà i inventor d’un mercat frenètic i incontenible per la crítica europea i els rics clients americans.

Un talent avançat al seu temps amb una intuïció gairebé infal·lible per comprendre el complicat engranatge del mercat modern i els secrets del marketing.

Nascut a Trieste el 1907, quan la ciutat formava part de l’Imperi austrohongarès, amb el nom de Leo Krausz la família es va veure obligada per les lleis racials de Mussolini a canviar el seu nom per l’italià de Castelli. La seva és una història familiar que ens pot remetre al Renaixement, perquè tots els seus antecedents formen una base genètica forjada per segles de persecució social i política, que segurament va provocar en aquest home una habilitat excepcional per la negociació entre els diners i l’art. L’any 1924 es va llicenciar com advocat i es va traslladar a París on va treballar, primer pel Banc d’Itàlia fins que, ja molt interessat pel món de l’art i encoratjat per la seva primera dona, va decidir obrir una galeria a la Place Vendôme. La Segona Guerra Mundial el va fer emigrar a Amèrica, i en poc temps la seva galeria del Soho es va convertir en el destí més preuat dels artistes joves, les seves gestions garantien compradors segurs. Un exemple: l’any 1958, quan Rauschemberg va exposar per primer cop a la galeria va comprar la seva obra Bed per 1.200 dòlars, trenta anys després estava valorada en 10 milanos.

Leo Castelli va ser un home culte però sobretot va tenir una gran habilitat social i econòmica, convertint-se en el primer galerista que va aconseguir el monopoli artístic de Nova York durant gairebé cinc dècades, abanderant l’art-pop o descobrint talents com Andy Warhol, Jackson Pollock o Jasper Johns del qui es va extasiar amb la seva obra Flag, en que art i obra s’havien fos en una mateixa cosa i que anunciava el naixement de l’art pop. Avui dia la bandera de Johns és una de les obres més famoses i valuoses, l’any 2010 va ser subhastada a Christie’s per 30 milions de dòlars.

Els americans consideraven Castelli un europeu típic; diletant, aficionat a la vida social, vividor i apassionat del gènere femení. Gran amfitrió de festes, fou l’home que va regnar durant dècades a la ciutat dels gratacels i que des d’allí, va reconquerir l’Europa que havia abandonat anys abans amb una xarxa de galeries satèl.lits.

El primer contacte de Leo Castelli amb la Fundació Juan March data de finals dels anys setanta amb un préstec d’obres, tot i que la col.laboració més estreta es va produir l’any 1988 amb una exposició que la Fundació March a Madrid va posar per títol Colección Leo Castelli, a la que hi va acudir personalment i va aprofitar per parlar sobre els seus artistes espanyols destacats entre els que es trobava Miquel Barceló; aquell any 1988 coincidia amb el seu primer viatge a l’Àfrica i era a punt de presentar la seva sèrie de quadres blancs.

Leo Castelli va complir sempre la seva premissa: no abandonar mai els artistes amb els que s’havia compromès en el seu dia i també, i potser més difícil, convèncer a la crítica europea que els seus artistes eren els millors del món.

Ara aquest regal de 90 conjunts dels que Leo Castelli es va quedar el primer i el darrer, volten pel món. El portfoli 82/90 amb els 9 gravats es pot contemplar a Ciutat fins al 4 de febrer amb Un homenaje a Leo Castelli, una exposició sentimental i significativa d’una de les figures més importants del mercat de l’art contemporani.

Extracto de vidas

2012-01-09T18:29:00.000+01:00

En ocasiones el paisaje pide distancia para poder verse como tal, para poder articularse como discurso, ya lo hacían las representaciones pictóricas del siglo XIX de Rosseau o Corot con su análisis escrupuloso de la naturaleza.

La relación que establece el artista contemporáneo con el paisaje y con los escenarios de su entorno, establecen una mirada de gran intensidad donde la ilusión óptica es parte esencial del acontecimiento.

El concepto que Montserrant Soto (Barcelona, 1961) refleja en sus obras rodea el concepto del paisaje actual, el intervenido por el hombre, aunque sin su presencia.

Nos inmortaliza entornos urbanos, espacios arquitectónicos, escenarios reales vinculados a la ciudad, la cultura y el arte, que a menudo pasan inadvertidos, pero que reflejan la intervención humana y la huella evidente como señal incuestionable de su paso.

Montserrat Soto posee una sólida trayectoria internacional, y con los años ha ido ampliando recursos; ya no sólo en pintura y fotografía, sino también en vídeo y en instalaciones que buscan argumentos que tengan una sólida base conceptual.

Su obra está marcada por una cierta hibridación de campos estéticos como la arquitectura, la escenografía cinematográfica, la ficción teatral o la visión pictórica, en una obra que desea mantener en el ámbito de la creación ciertos prototipos y modelos en todos estos ámbitos.

Fotografías de gran formato fruto del estudio de la artista a través de sus viajes y de una experiencia de soledad, en un mundo el nuestro, poblado de imágenes sombrías y melancólicas.

Esta exposición tan mínima que la ha traído de nuevo a Palma nos muestra cuatro piezas en la que reflexiona el concepto de espacio como lugar de trámite, puede que esas puertas y sus dispositivos antipánico anticipen, a modo de premonición, lo que está por llegar.

Montserrat Soto admite que el espectador debe enfrentarse a escenas donde no pueda esconderse , hacia situaciones extrañas, pero en ningún momento desconocidas. Me recuerda a otro creador apasionado del paisaje: Perejaume, y en su experimento en establecer relaciones de afecto con las cosas no humanas. Asegura que es urgente que dejemos de vivir de espaldas al paisaje, y debe ser cierto.

El mito trágico

2012-01-02T11:54:00.000+01:00

Proponer el dibujo en tiempo de mirada electrónica y visualidad hipervirtual resulta sorprendente. Pero esta herramienta tan antigua como la humanidad significa un trayecto de síntesis para la vida Sandra Vásquez de la Horra (Chile, 1967).

La artista afincada en Colonia presenta estos días en la galería Kewenig dibujos en hojas de papel realizados con mina de plomo y cubiertos de una fina capa de cera, un efecto que proporciona intemporalidad a la obra y a la vez lo protege, evocando la permanencia. Una permanencia que nos remite a referentes visuales de obras de Dante, Baudelaire, Rimbaud o André Breton.

Precisamente fue el movimiento surrealista el primero de la historia de la cultura y el arte que acogió con cierta normalidad más mujeres creadoras, aunque una gran parte de las surrealistas fueron musas y amantes de muchos otros artistas masculinos que buscaban en ellas una “belleza convulsa”, la misma que propugnaba Breton en sus manifiestos como le beau comme. Esta fórmula metafórica que junto a la prosa de Isadore Ducasse (Montevideo, 1846-París, 1870) utilizaron artistas como Salvador Dalí para realizar series de dibujos donde la violencia desmoralizante sustentó parte de su imaginario paranoico para Los Cantos de Maldoror.

Sandra Vásquez de la Horra impregna sus dibujos de cultura popular, de mitos, de cuentos de hadas, de sexo, de muerte y de recuerdos personales relacionados con su Chile natal y la dictadura de Pinochet. Un compromiso para con el cambio social y la justicia, como continuación de las batallas que libró desde sus épocas de juventud en Chile en contra otra dictadura más que instauró la “pedagogía del terror”.

La artista chilena nos presenta unos dibujos con un lenguaje plasmado e interesado en la huella, en la textura, en la tipografía, en la sorpresa y en la acumulación, pero resulta innegable la energía que transmiten dispuestos temporalmente en las paredes de la capilla formando una estructura narrativa llena de intuición e ingenio.

Dramas de la historia humana causados por la ambición, el poder, la religión, el odio, la melancolía o la muerte, pero también por el amor y la palabra escrita que, en general, refuerza el misterio de las composiciones pero ayuda a disminuir la distancia respecto al espectador.

Vidas ocultas, necesidades terrenales

2011-12-26T20:52:00.000+01:00

En ocasiones el alcohol recompone nuestro orgullo roto pero los fármacos de última generación nos prometen volver más inteligentes, más amados, más sociables o más eficientes. El ser perfecto puede estar en un bote de pastillas.

Yolanda Adrover (Felanitx, 1977) nos propone con su obra metáforas y ejercicios ópticos que nos acercan a un mundo que oscila entre lo oculto y lo evidente. Porque si algo hay en sus historias es un férreo dogma en las vivencias humanas de las que me atrevería a llamar invisibles, de las que castigan, y nos remiten muy delicadamente a experiencias agredidas y confinadas.

Adrover nos muestra sus habituales interrogantes sobre el paradigma de las relaciones entre la mujer y el arte, usa el acento literario para construir poéticamente escenas donde la mujer expone su papel escondido en la sociedad, y a modo de pantallas presenta un juego de volúmenes, de densidades, con pulcritud ejecutiva, que animan a expresar emociones y sentimientos. Tan rigurosa como sensible, Adrover exhibe sencillez y nos muestra la importancia de la costura y los hilos en nuestra vida, de lo que esta acción representa en nuestra cultura y su vinculación con la mujer.

Esta última semana volvieron los disturbios en El Cairo; crueles imágenes mostraban como la policía militar arrastraba mujeres y arrancaba sus prendas, dejando al descubierto su intimidad, aquella que ellos mismos ocultan, censuran y arremeten. Precisamente, la instalación de Yolanda Adrover trata el tema de la identidad y convierte la rejilla de tela de los burka, en un fragmento de media, otra pieza que había permanecido oculta durante siglos de las miradas ajenas, hasta que en los años veinte la moda à la garçonne invadió Europa y la mujer tuvo la oportunidad de mostrar esa parte de su propio cuerpo.

Adrover sigue la estela de otras artistas que han tocado la temática femenina e incide desde la melancolía, y en un contexto postmoderno, en mostrar figuras enfrentadas a la vida fugaz de las cosas terrenales, y al paso inexorable del tiempo. Un tiempo que según para que cosas no cuenta.

Espectadores de nosotros mismos

2011-12-19T15:23:00.000+01:00

Las ideas y la trayectoria personal y artística de Albert Pinya (Palma, 1985) me recuerda que el arte es, ante todo, una actividad y una forma de entender la vida, y no una profesión estándar que tenga como finalidad la producción de objetos más o menos artísticos para luego darles una salida comercial.
En este decimotercer Belén contemporáneo de Can Marquès los acontecimientos adquieren diversas formas; la propuesta de Pinya posee unidad conceptual y se manifiesta a través de la diversidad y la heterogeneidad de sus medios: pinturas, collages, vídeos, montajes objetuales, performances…

El azar, la sorpresa, el tiempo o la participación colectiva son los elementos más destacados en su proceso de creación, aunque no olvidemos que para Albert Pinya el arte es un acontecimiento, así lo recalcó en la inauguración.
Su propuesta adquiere un carácter de partitura porque ha planteado el trabajo como un instrumento para que el espectador pueda interpretarlo, como si de obra de John Cage se tratase. Su libertad gusta y conecta con el público, luego vienen ciertas susceptibilidades mal entendidas que no tienen cabida en una sociedad que se considera moderna, propia del siglo XXI.
Su estética y el pop más personal, conviven con el componente performático que termina explorando cuestiones básicas sobre la vida cotidiana, la sexualidad, los sueños, la tradición y como no, la conjunción de realidades inconexas. Sus objet-trouvé siguen siendo los únicos capaces de expresar estéticamente sus pensamientos que se entremezclan con sus juegos de palabras, sus personajes animados y sus antihéroes habituales, aunque en esta ocasión me quedo con Jeffrey Lebowsky, el antihéroe americano; un tipo despistado, vago y pacífico que cohabita junto a Yoko Ono, la que no dejó seguir cantando a Lennon su “Hapiness is a Warm Gun”. Los que sí siguen cantando su visión de la vida a través del arte son Albert Pinya y la artífice de este navideño acontecimiento, Nieves Barber.

...i de paraules

2011-12-15T21:15:00.001+01:00

El treball amb conceptes, ja sigui una proposta visual o estrictament discursiva, duu a cercar l’esquelet de les coses. Es depura i s’acaba suprimint tot el què no és estrictament necessari. Es prescindeix de l’adjectiu, de l’article, de l’adverbi, fins i tot del verb, per quedar-se amb el què és purament substantiu,essencial i fonamental.

Addaya Centre d'Art Contemporani d'Alaró presenta Jo vull aprendre mallorquí, un projecte resultat d'una residència que l'artista Ting Ting Cheng (Taipei, Taiwan, 1985) va realitzar en aquest centre, entre gener i febrer d'aquest any que és a punt d’acabar.
Jo vull aprendre mallorquí no és un simple projecte expositiu, és el resultat d'experiències vitals de l'artista al enfrontar-se al seu nou entorn, al seu nou lloc de residència, de conèixer i relacionar-se amb els altres, tots desconeguts. Un diari des d’on mirar la vida quotidiana i el que passa al món, compartint les experiències viscudes.
Ting Ting Cheng venia a Alaró per continuar un dels seu projectes fotogràfics (Things we may never know) basat en la immigració a Londres, el seu lloc habitual de residència, però a l’arribar i començar a relacionar-se amb l’entorn d’en Tomeu i la Nadège va descobrir un filó difícil de renunciar.
Cheng, que navega hàbilment entre les representacions visuals i orals de les llengües estrangeres, va pensar ensenyar anglès o xinès a canvi d’aprendre mallorquí; curiós i pràctic intercanvi que va servir per materialitzar-lo, no només amb coneixements adquirits, sinó en una exposició en la que combinaria textos, objectes i imatges per formar una documentació audiovisual i una experiència artística. Una manifestació en la que art, vida i ritual es fonen en processos, experiències i accions.
Setze són les obres que donen forma al projecte i cadascuna està formada per un conjunt de dues imatges, una amb un text, i l'altra amb una fotografia.
Amb elles una instal.lació d’àudio amb l’enregistrament de la pròpia veu de l’artista que explica una història o anècdota succeïda durant la seva estada a Mallorca.
El text que figura en les obres, són les paraules en mallorquí o en castellà que l'artista va aprendre durant les trobades i converses amb els residents locals. Apareixen escrites fonèticament en xinès, utilitzant la pronunciació en xinès més similar al confegir les paraules en mallorquí.
Davant del treball de Cheng, els espectadors podem sentir-nos desconcertats i perduts, però aviat descobrim que les peces també funcionen com receptacles per jugar i gestionar les ansietats de la manca de comunicació individual i global.
A través dels seus projectes, descriu una ètica modesta de la incomprensió, celebrant el nostre monolingüisme o bilingüisme que sempre, inevitablement, ens fa estrangers en el món.
Les idees i la trajectòria personal i artística de George Bretch ens recorden que l’art és abans de res una activitat i una manera d’entendre la vida i no una professió que tingui com a finalitat la producció d’objectes més o menys artístics. Amb això vull dir que el treball de Cheng s’encamina al model d’artista investigador; les idees, l’espai i el temps són els elements més importants en el seu procés creatiu, i potser, com Bretch, entén l’art com un esdeveniment.
Però també com a comportament , com a fragments de vida, d’apropiació de la realitat més propera..., trets que fixen el treball de molts artistes sorgits de la narració real/ficció, de la intimitat del subjecte en relació amb el públic i el privat, l’ús de la imatge (fotografia i vídeo), el so o les noves tecnologies; recursos que obeeixen al present, la cultura digital i els seus derivats. Val la pena que vos hi acosteu.

Dos metros bajo tierra

2011-12-12T09:22:00.000+01:00

Quizá sea la última exposición en el Espai Quatre del Casal Solleric, un ámbito arduo en su forma pero que desde el año 2001 ha permitido desarrollar de la mano de su comisaria Neus Cortés, un sugestivo programa expositivo con artistas de primera línea como Chema Alvargonzález, Martín y Sicilia, Bernardí Roig o Esther Ferrer por citar sólo algunos.

El espacio, de gran complejidad pero de insaciables recovecos, se ha convertido con los años en una seña de identidad para los que amamos el arte contemporáneo y que deseamos que no se desvanezca. Un territorio que condiciona lo que expone de forma irreversible, pero que a la vez refuerza el impacto visual que recibe el espectador cuando baja las escaleras para acceder a él. La sorpresa, la incertidumbre, el misterio de la percepción artística…

Fernando Sinaga (Zaragoza, 1951) expone un discurso contemplativo que recorre los pasos subterráneos para llegar al final con un vídeo que cuenta el tiempo. Me detengo en la obra gráfica y recuerdo a Max Ernst; en 1920 halló algo fundamental: un catálogo en el que venía material didáctico con ilustraciones sobre temas de psicología, mineralogía, antropología… Esos libros antiguos fueron el origen de centenares de collages perturbadores propios del surrealismo y Ernst supo crear un mundo paralelo fascinante. Esta transgresión narrativa, estas composiciones inquietantes, poéticas y hasta científicas me acercan al de Sinaga, un trabajo con rigurosos contenidos fruto de una excepcional formación académica.

El artista zaragozano aprecia el espacio en el que expone como un elemento visual y plástico, más que como contenedor neutral de creaciones, valora más el arte como experiencia estética en la que se participa, artista y espectador. El Espai Quatre se lo permite, acentúa este proceso, supone y exige una gran conexión entre las obras a modo de trayecto que van salpicando de ideas. En este caso relacionadas con la geometría, la literatura, la sociología, la memoria personal y objetos como piedras, metales, luz, espejos…, hasta llegar a los márgenes del conocimiento.

Arquitecturas orgánicas

2011-12-05T14:09:00.000+01:00

La casa es el alma, y la obra de Louise Bourgeois empieza con ella, con el trasvase del espacio físico de la casa al de su propio cuerpo. Ya lo decía el filósofo Gaston Bachelard: “la casa es el cuerpo y el alma”. Y este es otro homenaje a la arquitectura, a la casa, el lugar de donde partes pero a la que siempre puedes regresar, un referente de la vida que con los años estamos condenados a verla desde fuera.

Lluc Fluxà, projectes d’art presenta estos días haBitatges, una colectiva compuesta por los artistas Santiago Serrano, Antoni Ferragut, Rossana Zaera, Andrés Montes y Ursula Palla con propuestas que establecen un sólido diálogo y que nos invitan a reflexionar sobre el significado actual de casa, hogar e identidad. La estela de Bourgeois es de nuevo profunda y generosa.

Con una voluntad escenográfica, el conjunto de las obras obtienen un espacio-soporte dominado por la ficción y lo equívoco, parecen flotar con cierta levedad aunque la mayoría de ellos hayan optado por materiales contundentes como el hierro y el acero.

Antoni Ferragut, con escultura presente en la fisonomía de Palma y en la memoria histórica de la ciudad, es uno de ellos. El artista, muy cercano al público, concibe la escultura con una cierta ambigüedad y simbolismo. El elemento modular integra las piezas y aporta gran unidad entre continente y contenido. Atrayente resulta la video-instalación de Ursula Palla, que juega con la percepción del espectador: una isla construida con piezas de Lego proyecta su sombra real en la pantalla que mezcla secuencias de paisajes y cielo. Un fantástico juego de sombras con final incendiario. Destaco también la obra de Rosana Zaera que aporta una de sus cajas de hierro y pintura, para mí la serie más fascinante de su producción, dónde encierra la memoria y muestra escenarios mentales que hablan de su propia vida, también de la nuestra.

Nos encontramos ante una autentica poética del espacio del hombre contemporáneo, que contempla el interior y el exterior, lo espiritual y lo material. Y es que, en realidad, casa, cosmos, recinto, espacio, cuerpo humano y cosmos, todo se concentra en una sola dimensión.

Perllongaments artístics de metàfores terrenals

2011-12-01T18:10:00.001+01:00

Perejaume (Sant Pol de Mar, 1957) és un artista explorador que ha sabut dur la pintura al paisatge, o a l’inrevés?.
Amb la seva inconfusible cabellera, l’artista caminador recull petjades de veu, natura i paraules. Pintura, escultura, vídeo, fotografia, instal.lació, performances..., Perejaume ho cultiva gairebé tot, i continua estant tan a prop de la natura com la seva obra. Viatger constant, de manera il.lusòria, Perejaume cerca diferents maneres de veure la realitat. Amb tots els recursos al seu abast i fent actuar un element inesperat com a protagonista, crea en l’espectador un efecte de sorpresa, fins i tot de confusió.
És un creador que ha begut enormement de la tradició però que ha convertit el seu art amb hipercontemporani. És una artista molt local com ho podien haver estat Dalí o Miró però també ha demostrat que el més local acaba convertint-se en el més universal. Perejaume, vinculat a les poètiques avantguardistes de Joan Miró, Antoni Tàpies i Joan Brossa, i a estètiques locals com el paisatgisme català del segle XIX, depassa la qüestió plàstica per arribar a la poesia en un camí constant.

De la seva obra n’extrec el plaer immens de poder fer-ne una lectura assossegada, perquè no és precisament directa a primera vista, li cal una reflexió minuciosa. Perejaume, abocat a experiments lúdics, descontextualitza imatges per tal d’aconseguir-ne de colpidores plàsticament que estimulin la imaginació de l’espectador.

El vocabulari iconogràfic que utilitza ens indica el seu sentit romàntic, perquè les seves imatges ens envaeixen d’una gran nostàlgia i melangia sentimental. A mi em passa amb la seva obra “Platea abrupta” (1999); el projecte guanyador d’un concurs en el que competia amb pintors com Frederic Amat, Ferran García Sevilla i Xavier Grau per decorar el sostre de la sala del Gran Teatre del Liceu de Barcelona després del malaurat incendi de 1994. Aquella visió que aporta “Platea abrupta” em permet fixar la mirada en un paisatge portàtil, una imatge entre real i imaginària, obstinat en el seu pensament creatiu, una pintura de plain air del segle XIX completament contemporània.

Ara els admiradors de Perejaume tenim la oportunitat de tornar a veure obra seva a través d’una una retrospectiva curiosa, i dic curiosa perquè el 80% de les obres són de nova producció. El títol de la mostra també defineix molt bé l'excés d'imatges que, d'alguna manera, denúncia amb el seu treball: “Ai Perejaume, si veies la munió d’obres que t’envolten, no en faries cap de nova!”. No és una retrospectiva convencional, el títol s’exclama: “ai!”, interpel•la l’autor i es lamenta: “si veies…”. Metàfores del seu propi excés. Paradoxa artística.

Potser és el món, que es lamenta, per boca de l’autor, de la quantitat incommensurable d’obres repartides pel planeta, que no deixa de ser una reflexió sobre la creació contemporània i el fil conductor d'una exposició que recorre els darrers 20 anys de la seva trajectòria, també molt extensa.

El recorregut arrenca amb una sèrie d'obres que estableixen una mena de conveni dins un espai de gran personalitat com la Pedrera, l’obra arquitectònica de Gaudí construïda entre el 1906 i el 1910 encarregada per la família Milà. Hi trobem moltes pedres, i una d'elles, de 1.500 quilos, ha estat extreta d’una pedrera propera a Bristol. Al lloc seu d’origen Perejaume ha deixat un rètol que diu: "Aquesta pedra ha estat temporalment traslladada per una exposició". Com si d’un préstec museístic es tractés, Perejaume integra en el discurs una de les seves sorpreses.

L'Espai Gaudí, que aspira a convertir-se en un centre de referència en l'estudi de l'obra de l'arquitecte Antoni Gaudí, similar als dedicats a Gropius a Berlín i Le Corbusier a París, està ubicat a les golfes de la Pedrera des de fa 15 anys. Un lloc magnífic consagrat a l'estudi de l'obra gaudiniana en un conjunt d’exposicions on s’hi poden trobar maquetes, imatges tridimensionals, mostres de mobiliari dissenyat per Gaudí i un apartat en què es ressenya la seva afició per trobar a la natura solucions arquitectòniques. Perquè no hem de perdre de vista que Gaudí s’inspirava en la natura, i la pedra, n’esdevé part fonamental. De la pedra parteix Perejaume i de pedra prové el mot popular de la famosa casa del Passeig de Gràcia.

Des del principi la Pedrera va estar envoltada de polèmica, potser perquè, com va escriure Josep Pla, «l'ambient intel.lectual [era] antigaudinià a Barcelona». Les revistes satíriques feien burla amb l'aspecte insòlit de La Pedrera. Junceda la titllava en un acudit de «mona de Pasqua», Picarol la comparava amb un imaginari Walhalla wagnerià o amb una defensa antibèl.lica de la guerra del Marroc, i en un altre la ridiculitzava tot dient que en el futur seria un hangar per a dirigibles.
La mostra de Perejaume és creativa i suggestiva, et fa veure que les coses que veiem no són el que semblen, que l'art moltes vegades ja és a la pròpia natura, que potser de tant "fer art" ens passem, ... i moltes sensacions més, aquest és l’univers de Perejaume.
I ja que fa tants anys que investiga sobre els límits, difusos i al mateix temps discutibles, entre la naturalesa i l’obra estètica i ha aprofitat per publicar Pagèsiques (Edicions 62), un "llibre de llibres" que conté versos i reflexions entorn a aquesta qüestió.

Pagèsiques, doncs, és un llibre que va evolucionant a través de capes, en llibres que, al seu torn, van creixent-li dins, amb una essència orgànica pròpia de la naturalesa mateixa, per acabar demanant: "Voleu un art de figuració profunda?". La resposta de Perejaume no pot ser més clara: “Agafeu un quadre i planteu-lo al bosc”.

No voler ser pintura (autoretrat)

2011-11-28T13:59:00.000+01:00

Jordi Alcaraz (Calella, 1963) dibuja en el espacio de muchas formas y crea un mundo aparentemente inocente que limita con transparencias, agujeros, espejos, vidrio, agua, libros, manchas, piedras…, y soplos de aire, que en ocasiones estallan ante nuestra mirada.
Alcaraz otorga a la trentena de piezas, todas del 2011, la cualidad de lo táctil. Cuando salen del cuadro se definen como entidad tridimensional y sensible. El artista catalán establece poéticos juegos de palabras y títulos inesperados que bien nos podrían recordar las sorpresas de Perejaume, o la poesía visual de Joan Brossa, aunque su onirismo y las relaciones semánticas inesperadas me conectan más con el surrealismo europeo de Marcel Duchamp i Max Ernst, que también han influido a artistas como Carmen Calvo o Antoni Llena.
De su título, Dejuni, se extrae esta necesidad de paréntesis, de terminar de sacar todo lo que guarda en su interior. El ayuno es un tesoro de sabiduría para aquellos que se avengan a practicarlo seriamente, haciéndolo suyo como una oportunidad de crecimiento, como un signo contracultural.
La de Pelaires es otra propuesta que se encamina a demostrar la tesis de que Jordi Alcaraz ha ido elaborando a lo largo de estos últimos años: la irreductibilidad del blanco, por encima de todo, en un marco iconográfico dimensional o tridimensional. El blanco como apariencia autónoma y, en definitiva, como ejercicio de libertad.
La realidad surge bajo ciertas apariencias, como una mancha negra en la que emana una blanca, luego, superficies lisas con fragmentos dispuestos, rugosos y en ocasiones torturados; una cadena de formas o de estados básicos de la materia.
Jordi Alcaraz ha expuesto varias veces en la galería Joan Prats de Barcelona, que desde su inauguración en 1976, es una de las galerías pioneras en la escena contemporánea exponiendo y promocionando artistas de gran proyección. Su discurso parte de una tradición clásica, su reflexión acerca del volumen es extraordinaria. Obra lírica donde las haya: hasta un homenaje a Brancusi.

Sempre ens quedarà París...

2011-11-24T12:42:00.000+01:00

“We'll always have Paris” és una frase cèlebre d’un diàleg de la pel.ícula Casablanca i que, en qualsevol cas, ens recorda aquells moments clau del passat que no podem oblidar i alhora ens projecten cap al futur, perquè hi ha experiències que ens marquen el cor i ens revolten la consciència.

De fet, per la ciutat de París pràcticament tot és un plaer: els monuments, els cafès, el menjar, els edificis, els carrers...fins i tot, els cementiris. Potser, si li sobra alguna cosa sigui l’enrenou i la brutor pròpia, inevitable de les grans ciutats. Aquest és el tercer viatge que hi faig i cada cop els parisencs em semblen menys xovinistes, potser pels anys que fa que formen part d’una Unió Europea, que ara sembla diluir-se amb la seva moneda única.

L’any 2008 em vaig perdre la primera exposició que li va dedicar París a Marie Antoniette, la ciutat que li va tallar el cap el 1793. El Grand Palais va acollir durant uns mesos: mobles, pintures, instruments musicals, joies, rellotges d’orfebreria, porcellanes, objectes personals, la darrera carta que va escriure abans de morir, la camisa blanca que lluïa ja empresonada a la Conciergerie..., d’una de les persones de gust més refinat del segle XVIII. Des del seu món irreal de Versalles, envoltada de jardins anglo-xinesos, d'escultures de marbre, teles de seda i de tasses d'or, la dona de Lluis XVI es va convertir en una de les mecenes més importants de la seva època, probablement aliena a l'elevat cost dels seus capricis. I reitero, aliena, perquè a part de la seva inconsciència va ser fruit de la seva educació. Amb dotze anys va ser escollida per casar-se amb el delfí de França i futur rei Lluís XVI per casar-s’hi dos anys després.

Després amb el Regnat del Terror, amb Robespierre al capdavant, va oferir a aquella reina un procés revolucionari i un final esfereïdor que potser no es mereixia. Us recomano la lectura de “Marie Antoinette”, d’Antonia Fraser, el relat més complet i ben documentat que he llegit mai. El palau de Versalles i els seus jardins constitueixen un dels atractius més importants de França. La decisió de traslladar la Cort fora del palau del Louvre de París obeïa a diversos factors, però el principal era que Lluís XIV desitjava controlar personalment l’aparell de l’Estat i Versalles era un lloc suficientment apartat de les intrigues de París i a la vegada força proper per a controlar-les.

La visita d’un dia es fa curta, entre d’altres coses per les llargues cues, les enormes dimensions i les dificultats d’haver de moure’s pels passadissos del palau amb tot de japonesos empenyent per totes bandes per fer fotografies. El millor és adquirir l’entrada bàsica i anar afegint trajectes en funció del temps, també el climàtic, i els interessos (els Palaus del Trianon, els Dominis de Marie Antoinette, els jardins...). Tinc ganes de tornar a llegir “El collar de María Antonieta” de Néstor Luján com a simple mostra de la decadència de la cort francesa però, com Goethe sentenciaria: “el procés del collaret formaria el prefaci de la Revolució”. Interessant per qui no conegui aquesta història.

Les llargues passejades per la ciutat de París m’han permès visitar alguns dels indrets més emblemàtics (Hôtel de Ville, Opera Garnier, Sainte-Chapelle, Notre-Dame, Pont Neuf, Place Vendôme, Conciergerie...) però també m’han ofert la oportunitat d’accedir a exposicions en entorns incomparables com el Grand Palais amb una mostra de joguines, “Des jouets et des hommes” (cal destacar el joc-documental fet per l'artista Pierrick Sorin i un programa que permet crear un petit film fet amb joguines). El Louvre amb un contrastat viatge pel temps i l'espai: del regne d'Alexandre el Gran i l'antiga Macedònia a la relació entre els emperadors de la Ciutat Prohibida i els reis de França. Unes 500 obres il.lustren la mostra “Au royaume d’Alexandre le Grand. La Macédonie Antique” (fins al 16 de gener).

El Palais de Tokyo conté entre d’altres propostes una instal.lació de Olaf Breuning, i al Centre Pompidou (fins al 9 de gener) la magnífica exposició de Yayoi Kusama que recull més de 150 obres entre dibuixos, pintures, collages, escultures, instal.lacions, pel.lícules i performances.

Una curiosa coincidència: l’Institut Ramon Llull va convidar quatre comissaris d’art de reconegut prestigi internacional per participar a la Nit de l’Art 2011, entre ells Caroline Cournède, comissària a la Maison d’art Bernard Anthonioz des de 2006. Ha dirigit diversos projectes, entre els quals destaquen una mostra del dissenyador gràfic Jean-Marc Ballée “La forêt va bientôt fermer”. Les galeries Lafayette exposen fins al 7 de gener una selecció de treballs inspirats en el còmic d’aquest dissenyador. Casualitats, connexions, compres il.lustrades..., digueu-ho com vulgueu, tot s’hi val.

I per acabar lectures sobre París que podeu assaborir amb bon goût: “París no se acaba nunca”, d’Enrique Vila-Matas, “A moveable feast” d’Ernest Hemingway, “Historias de París” de Mario Benedetti, “Els fantasmes del Trianon” de Néstor Luján (en aquesta novel.la el fantasma de la reina Marie Antoinette s'apareix a dues turistes angleses al palau de Versalles l'any 1901) o la primera part de “Rayuela” de Julio Cortázar, que per cert, està enterrat al cementiri de Montparnasse de la mateixa manera que Susan Sontag, Baudelaire, Samuel Beckett, Sartre, Man Ray o Antoni Clavé.

Us he dit ja que m’encanta París?

Objetos icónicos

2011-11-21T13:17:00.000+01:00

La vida contemporánea nos satura de imágenes, internet y las tecnologías digitales han causado en pocos años un efecto de meteorito. Hay más de 5.000 millones de teléfonos móviles en el mundo, 60% de los cuales tienen cámara, esto significa que sus propietarios somos fotógrafos en potencia y que producimos tantas imágenes que no tenemos tiempos ni de mirarlas. Un sinfín de ellas nos aparecen en ventanas emergentes del ordenador sin nuestro permiso, e infinidad de mecanismos modifican, interrumpen y expanden nuestro modo de lectura.

Núria Marquès (Ciutadella de Menorca, 1975) lo interpreta artísticamente a partir de dibujos que siguen una ruta dinámica pero a la vez fragmentada. Personajes inventados, planos, naïf, inocentes en su apariencia, pero poderosos en la lucha del ritmo diario. Estamos ante un nuevo paradigma que convierte ciertas imágenes en el hilo conductor de las estéticas contemporáneas y como transmisor de ciertos significados estéticos que surgen de los artistas.

Núria Marquès presenta una propuesta casi escenográfica, formada por una serie de caballetes a doble cara, de los que suelen utilizarse en anuncios comerciales, con dibujos de su imaginario, personajes inventados: vasos, moscas, ojos, platos, nubes…

Luego su diaporama, con ese silencio que traspasa el límite de lo real. Rescatar la magia de la vida que se esconde en muchos elementos y recuperarlos para el ámbito artístico puede recordar en su planteamiento una actitud dadaísta, porque de algún modo, transcurre más allá de la voluntad de transformación y de la transgresión del significado del objeto y la seducción visual. En ocasiones estos objetos adquieren nuevas cualidades formales y se transforman en divertidas, ligeras, emotivas y orgánicas formas. Experimentos donde se mezclan la inspiración y la práctica, consiguiendo crear arte y transformando una imagen en la representación de una idea.

Hay una generación que ha accedido a la pintura por el camino de la tecnología visual. Un código plano, en dos dimensiones, que ha pautado su gesto, físico, sobre la tela y el del ojo, también físico, que la recorre.

Berlín, crisol artístico

2011-11-14T14:46:00.000+01:00

Juan Miguel Pozo (La Habana, 1967) inauguró el pasado viernes en SKLgallery con ocho obras pictóricas donde mezcla el pasado con el presente de un futuro que no termina de llegar, en términos absolutos: una utopía abandonada.

Wally Olins, uno de los especialistas en identidad corporativa más importantes del mundo, afirma que todos los movimientos políticos dependen de su popularidad en el terreno del arte. Un claro ejemplo: la creación de la imagen del Che Guevara como icono político parte de una fotografía tomada al azar por el cubano Alberto Korda, fotógrafo personal de Fidel Castro en 1960, en una tribuna de la calle 23 de La Habana pocas semanas antes de morir en tierras bolivianas.

Este retrato del Che, multiplicado y rediseñado, ha dado la vuelta al mundo y más de 50 años después se ha convertido en la fotografía más reproducida de la historia. Durante los años sesenta se asociaba a los ideales sociales y a la política de izquierdas, y durante los ochenta, se introdujo en imagen de la moda alternativa. Walter Benjamin dictaminó que la obra de arte perdía su aura en ser reproducida, pero no presagió el fenómeno a la inversa: que una imagen altamente reproducida alcanzaría a aventajar a la original y hasta suplantarla como ha ocurrido con la imagen del Che.

Juan Miguel Pozo realiza, a través de su pintura, una búsqueda sobre la esteticidad de la imaginería de la propaganda política totalitaria, estudia su gráfica como difusión manipuladora, y usa el color con un desgaste palpable que nos remite al pasado. Un estilo pictórico que mezcla fondo y figura, superpone lenguajes y al mismo tiempo capas de la memoria. Desde el popular eslogan cubano: ‘Señores imperialistas, no les tenemos ningún miedo’, al Berlín más actual donde el artista reside habitualmente. Una ciudad con miles de imágenes cargadas de munición sociopolítica que van susurrando al paseante y que nos siguen descubriendo mundos desconocidos, inverosímiles, una realidad social, hasta antropológica. Este componente documental, pasado por la subjetividad de cada artista, y el automatismo que ofrecen los trazos de Juan Miguel Pozo, nos proporcionan resultados aquí especialmente interesantes. La Conquista del Cielo incluye también una intervención mural a lápiz en una de las paredes del Olivia Café. Su utopía sale más allá; la vida sin sueños no tendría sentido, y como sueños que son, las utopías aportan ese sentido a nuestra existencia cuando la realidad se muestra insuficiente.

El principio del magma

2011-11-07T13:39:00.000+01:00

Olimpia Velasco (Madrid, 1970) construye, teje, enreda y pone en escena efectos ópticos desconcertantes. Fantasía onírica es la que ofrece en sus trabajos, que parte de experiencias vividas y que acentúa la atención en crear procesos circundantes, luego el espectador puede imaginar y establecer caminos metafóricos. Los trabajos de Velasco me evocan la desesperación, la sin-salida, ese desaliento que producen las madejas enredadas, aunque su semblante sea dinámico y eficaz. Pura combinatoria volumétrica con un cromatismo rabioso e iracundo, de un pop revisitado, fruto de una generación hija del grafismo, la cibernética y el street art.

Al ver un cuadro de Olimpia Velasco dirías que no ocurre nada ante sus bucles y sus redes de trayectoria casi obsesiva, pero sí, porque su actividad se expande más allá de la tela y transita por el espacio, y con ella su espectador. Puede que alcance a ser una recreación muy intelectual del mito de Aracne, narrado por Ovidio en sus Metamorfosis aunque me inclino a pensar que ella recrea formas mucho más contemporáneas: chicles, intestinos, neuronas, madejas, muelles, nidos, espirales, vello púbico, nódulos…, perfiles sugerentes con personalidad, destacados por la intensidad del color y la prosecución de la derrota figurativa.

Reflexionando sobre la tensión que existe entre el artista que necesita encontrar nuevos caminos y el público que pide lo que es conocido, creo que el pintor debe introducir novedades sin renunciar a ser él mismo, a su esencia. Olimpia Velasco lo logra en cada propuesta.

En los no lugares expone unas piezas donde la línea sigue siendo la solución creativa, porque gracias a su movilidad y amplio recorrido logra encontrar otras salidas. Y en ellas introduce el collage, el hilo, las tramas de papel cosido, las agujas…De aquí la importancia de la costura y los hilos en nuestra vida, lo que esta acción sigue representando, en nuestra cultura, en el arte y en su vinculación con la mujer.

Los carpinteros, utopia i visió

2011-11-03T12:35:00.000+01:00

Al seu pare, el baró Hans Henry Thyssen-Bornemisza, ha dit que li deu la seva passió per l’art, tampoc és estrany. Quan era molt jove, Francesca von Habsburg (Lausanne, 1958) va baixar als soterranis del museu de l’Hermitage de Sant Petersburg per veure alguns quadres no exhibits a les sales: Matisse, Gauguin, Van Gogh…, impressionistes en la penombra, una llum que la va marcar de per vida. I aquí establiré una mer analogia de com ens pot impressionar veure de petits una obra d’art (en el meu cas, ho he dit en alguna altra ocasió, fou el sofà de Mae-West de Salvador Dalí a la seva Fundació de Figueres).

Francesca von Habsburg és una dona que va néixer rica i va heretar la bellesa de la segona dona del baró, la model Fiona Campbell-Walter. Totes les famílies riques, també els Getty o els Rockefeller, han tingut desavinences per diners, però hem de tenir en compte que en el moment de morir (abril de 2002) Hans Heinrich von Thyssen tenia una fortuna valorada en més de 3.000 milions d’euros i que al llarg de la seva vida va reunir la col•lecció d’art més àmplia del món, 1.500 peces, el compendi de l’art occidental des dels primitius italians i flamencs fins a les avantguardes del segle XX.

A principis dels anys 80 Francesca von Habsburg vivia a Londres amb Steve Strange, una estrella del pop britànic; Spandau Ballet, Robert Palmer o Billy Idol eren artistes que visitaven casa seva al West London. Aquesta vida tan dissipada contrasta amb la que va tenir després quan es va casar amb Karl von Habsburg-Lothringen, el nét del darrer emperador d’Àustria. Fa temps que Francesca ha adquirit aquest rol de mecenes i ara es veu com a promotora i còmplice d'artistes, obres i exposicions. Un paper propi del Renaixement, que li agrada interpretar i que no deixa de ser molt semblant al que pugui tenir Charles Saatchi, per això no arribo a entendre les crítiques que li ha dedicat.

La Fundació Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, que Francesca von Habsburg dirigeix a Viena, dóna suport a una producció artística molt variada incloent projectes arquitectònics, site-specific o performatius i mantenint la col.lecció en estret contacte amb els llenguatges cada vegada més diversificats de l'art contemporani. Entre els seus fons, que reuneix a 500 obres d’uns 120 artistes, hi ha obres de Bill Viola, Cindy Shermann, Lászlo Moholy-Nagy, Ai Weiwei, Olafur Eliasson o “Los Carpinteros”.

Precisament són aquest duet considerats els artistes cubans més innovadors i amb més èxit internacional. Marcos Castillo (1971) i Dagoberto Rodríguez (1969) són membres d’aquest col.lectiu artístic que els van començar a anomenar “Los Carpinteros” perquè treballaven amb eines i fustes, com les que usava un artesà. Vivint a Cuba no podien fer gaire coses ells, per això van desenvolupar l’habilitat de poder contactar amb gent fora per poder fer les peces i després enviar-les a les exposicions.

“Los Carpinteros” varen aprendre des de l’interior de Cuba a dibuixar, a pintar, l’art de la fusteria, a treballar amb les mans; amb una formació acadèmica exigent i tradicional, idees d'avantguarda i una cultura visual molt diferent de la de la majoria dels artistes contemporanis. Van estudiar amb disciplina soviètica, això es nota i els fa diferents.

Des de Madrid, on resideixen actualment, parlen del seu treball com una ficció evasiva i articulen un discurs com el passatge a una nova dimensió; un diàleg entre l’arquitectura i l’obra bidimensional. Propostes metafòriques que conviden a l’espectador a realitzar una mena d’investigació calidoscòpica que el tempta a tocar les obres, a palpar-les per saber si formen part del món real com “Fred Estudi del Desastre”.

Com una imatge congelada, com una fotografia, així són altres de les seves obres com “Explosió en el mur”. Moments d’esclat, magnífics, insòlits, sorprenents..., i una gran sort que Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma aculli aquesta mostra amb quatre instal.lacions i desenes d’aquarel.les, la majoria mostrant aquestes figures i arquitectures impossibles que recorden a Escher, que vols tocar amb les mans..., i no pots.

La vida en el objectivo. "Per Sempre", de Tanit Plana

2011-11-02T12:30:00.000+01:00

Per sempre brindó a esta crítica la posibilidad, poco habitual, de conocer a la artista mientras creaba su obra y, sobre todo, de participar activamente en la acción. Resulta fascinante que Tanit Plana (Barcelona, 1975) tuviera el empeño de convocar a tantas mujeres para una acción artística y saliera airosa; más que nada, y discúlpenme, porque el carácter mallorquín no es muy dado a este tipo de cosas. Quienes estuvimos allí sabemos que fue un éxito.

A Plana le gusta decir que trabaja como enviada especial a zonas de conflictos personales, domésticos e íntimos, y que no puede olvidar temas que ha vivido tan de cerca como el amor, las obsesiones, la muerte o el sexo. Y eso nos ocurre a todos, pero ella tiene una capacidad extraordinaria para transmitir la emoción en su mirada y luego en el objetivo.

Per sempre retrata a mujeres vestidas de novias (algunas con el traje propio y otras de prestado) para relatar de manera inconsciente las alegrías, los traumas, las fracasos, la superación de esos fracasos… Todo, en medio de parajes infrecuentes: una playa, un bosque, un escenario… Lleida, Tarragona y Palma fueron los lugares elegidos para tres situaciones diferentes que persiguen expresar un símbolo del imaginario femenino: el vestido de novia y todas sus connotaciones. Agrupados los tres vídeos, las tres localidades, las tres acciones, Tanit Plana nos plantea la cuestión en su conjunto. El vídeo de Lleida me parece el más logrado, el que tiene más fuerza. Luego la exposición se complementa con relatos personales. Porque no sólo era el vestido. Durante la acción, observé la gratitud de centenares de mujeres al poder manifestar sentimientos como la vulnerabilidad de la infancia, la fuerza en la juventud, el despertar de la sexualidad y la inocencia, la madurez o el tránsito a la vejez. Trasladado al espacio expositivo, el trabajo de Plana mantiene vivo este caudal.

Con Per sempre, Tanit Plana sigue el rastro a otras artistas que han tratado el tema femenino, desde la melancolía en un contexto postmoderno, como Marlene Dumas; desde una mirada post-surrealista, como Niki de Saint-Phalle; desde el surrealismo freudiano, como Louise Bourgeois; o desde la modernidad más feminista de Sophie Calle, que también se basa en los actos más cotidianos para construir un imaginario propio y pone en duda la frontera entre lo público y lo privado.

La finalidad: usar el sentido del humor como forma de desobediencia y renunciar a los estereotipos sociales, un instrumento contra la convención para enfatizar a la mujer desde un punto de vista único y singular. Porque en Mallorca fuimos un centenar, pero todas diferentes.

Lo esencial y secundario

2011-10-24T12:26:00.000+02:00

“El paraíso azul", así bautizó Tossa de Mar el artista Marc Chagall después de las estancias que realizó, refugiándose del nazismo, durante los veranos de 1933 y 1934. Esta población catalana también acoge los del americano Dennis Hollingsworth (Madrid, 1956) y le sirve de inspiración para plasmar en sus cuadros la abstracción más contemporánea. Porque en su deseo de experimentar, descubrir e investigar nuevas expresiones, sus pinturas se ven impregnadas de la huella mediterránea con toda la fuerza gestual.

Muchos artistas son los que han decidido a renunciar a cualquier representación objetiva para referirse sólo a las cosas elementales. Y muchos son los que han elegido la geometría y sus posibilidades rítmicas: Sean Scully o Peter Halley por citar algunos.
Las de Dennis Hollingsworth son composiciones complejas de formas fluctuantes; una acumulación de caracteres casi objetuales, fragmentaciones y elementos que se relacionan en un orden inestable, fruto de ese potente impulso. Colores vivos, manchas de pigmento, una pintura con textura que podría seguir el camino de Mark Rothko, a través de la cual la forma abstracta pretende reflejar una reflexión o un sentimiento.
Relaciones de fuerzas compositivas y de colores, de trazos contundentes que no esconden la huella del pincel sino que acentúan este rastro tan característico de su obra. En esta, su primera exposición en Mallorca, opta por presentar oleos realizados con la técnica de “alla prima” que requiere mucha seguridad en la aplicación porque la obra se resuelve en una sola capa.
La fuerza psicológica que me produce la obra de Hollingsworth me recuerda al proceso del automatismo psíquico de los surrealistas, porque en la mayoría de casos el resultado de una obra es toda una actitud ante la vida.
Lawrence Durrell, en su ensayo titulado “Spirit of Place” dice que, después de viajar y vivir en muchos lugares, llegó a la conclusión de que el carácter es función del paisaje, que el espíritu del lugar es factor determinante de una cultura, el genius loci de los antiguos. Estos elementos, con el paso del tiempo, han ido creando unos caracteres misteriosos y particulares, luego hay el artista capaz de captarlos.

"Arxiu d'Ombres", a la Galeria Ferran Cano

2011-10-21T11:53:00.002+02:00

Toni Catany (Llucmajor, 1942) va marxar a estudiar a Barcelona perit químic a la recerca d’aquella llibertat que la Mallorca d’aquell temps no li podia oferir.
L’afició per la fotografia ja li venia d’abans, havia fet un curs per correspondència i era un fervent lector de la revista “Destino”, el setmanari per excel•lència que va connectar amb amplis sectors de la població, una publicació indispensable que va deixar una gran petjada no tan sols en el món de la premsa, sinó com a part d’una societat que volia ser diferent sota el franquisme amb signatures tant importants com Pla, Sagarra, Lujan, Perucho o Blai Bonet tot i que Toni Catany admirava els reportatges de l’Alberto Vázquez Figueroa que literalment, el feien somiar. Fent balanç d'aquesta Barcelona, a les portes de la Transició i desesperada per obrir-se a un oberturisme cultural, devien ser uns anys meravellosos en què havia ganes d'explicar coses, de voler canviar el món i conviure amb personatges com Vázquez Montalbán, Gil de Biedma, García Márquez, Maria del Mar Bonet o Joan Manuel Serrat per citar-ne només uns quants.

El 1968 Catany va publicar els primers treballs sobre Israel i Egipte i sobre les Balears al diari La Vanguardia, uns reportatges que es van anar transformant en una fotografia cada vegada més creativa fins arribar als calotips i a les conegudes natures mortes.

Toni Catany és un fotògraf fascinant, com una mena de viatger en el temps que recupera amb les seves obres; des de cossos nus, a paisatges perduts, èpoques passades o fins a artistes dalt de l’escenari, una bellesa difícil d’assolir, una bellesa amb ressonàncies artístiques, musicals i literàries. L'any 2001 la Generalitat de Catalunya li va atorgar el Premi Nacional d'Arts Plàstiques i el Ministeri de Cultura li va concedir el Premio Nacional de Fotografía. La seva obra s’ha pogut veure al MNAC (Museu d’Art Nacional de Catalunya) i aquí a Mallorca encara dura el procés de creació del Centre Internacional de Fotografia al seu poble natal. Fa sis anys el Govern espanyol va donar més de 3 milions d’euros al Consell de Mallorca per dur-lo a terme i la casa fou adquirida per la Unió Europea. Si el projecte no tira endavant s’hauran de tornar els diners i la casa deixarà de formar part del nostre patrimoni col.lectiu. Veurem com acaba però no val gens la pena desaprofitar els recursos i de passada començar a retre homenatge a un dels nostres grans creadors que per ara ha rebut més honors i mencions fora de les Balears.

Vaig llegir una vegada que si la fotografia s’hagués inventat durant el Renaixement o el Barroc segur que artistes com Miquel Àngel o Caravaggio s’haguessin dedicat a fotografiar cossos nus en torsions gairebé impossibles com ho ha fet Toni Catany. Em sembla meravellós i més quan te n’adones que la tradició de nus masculins al llarg de la Història de l’Art és més aviat escassa. A ell el projecte li va venir a través d’una petició francesa a propòsit del nu al voltant d’una lectura de Jean Genet. La masculinitat és un dels temes centrals de l’obra del novel.lista, dramaturg i poeta francès, encara que la seva concepció de les tensions en l’univers masculí no ha estat mai del tot ben compresa.

Ferran Cano va triar Toni Catany per inaugurar la temporada: l’exposició “Arxiu d’Ombres” està composta de sis portfolis amb tiratge al platí/pal•ladi, unes grans impressions fotogràfiques d’alt cost i difícils de realitzar però que ofereixen un to molt determinat. L’afany d’investigació en el camp de la fotografia l’ha fet recórrer a diversos procediments; tècniques noves o antigues, totes al servei de la experimentació i que li permeten abastar solucions diferents.

Una mostra que ara llueix a les parets d’aquesta galeria de Ciutat i que abans havia passat per la Valid Foto de Barcelona i que té previst viatjar a Madrid. La invitació magnífica, perquè van triar la imatge d’una ballarina dalt de l’escenari, el moviment subtil de la darrera gran estrella del ballet moscovita del Bolshoi, Ekaterina Maximova, que va morir el 2009. Una imatge descartada en el seu moment per ser publicada en un diari francès per estar tècnicament moguda. Dues imatges superposades que no coincideixen i provoquen un efecte òptic de confusió, però que Catany ha recuperat del seu arxiu particular per la seva gran bellesa i perquè permet, com les altres, mantenir l’anonimat de grans estrelles de la dansa, precisament per aquesta imperfecció tècnica, paradoxes de la vida.

Una altra ballarina està plenament d’actualitat, l’alemanya Pina Bausch i que curiosament també va morir el 2009 igual que Ekaterina Maximova , després de més de 35 anys al capdavant de la seva companyia. El reputat director alemany Wim Wenders va presentar fora de concurs a la passada Berlinale la seva última creació “Pina – tanzt, tanzt sonst sind wir verloren”. Fa unes setmanes es va estrenar als cinemes del país i, gustos a part, és un homenatge sentit i bell cap a la ballarina que Catany va conèixer personalment i que el va obsequiar amb una flor artificial que formava part d’un dels seus espectacles. Un petit reducte de bellesa entre les mans com a exponent de la seva expressió més personal.

Un inconsciente irracional

2011-10-17T09:18:00.000+02:00

Condición onírica, escenas insertadas en pulcras geometrías y retículas que poseen la contundencia de lo imperceptible. La pintura de Bert de Beul (Gante, 1961) parece estar envuelta por la niebla, un fenómeno atmosférico muy común en Bélgica. Días grises con abundantes lluvias de los que Ensor, Delvaux y Magritte también se debieron impregnar.

La galería Kewenig expone un total de 15 óleos sobre tela repartidos entre el Oratori de Sant Feliu y la galería adyacente. Un conjunto de pinturas basadas en recuerdos personales adquiridos a través de fotografías, o simplemente de evocaciones nunca antes reveladas, en experiencias del inconsciente irracional que a menudo vivimos como conocimientos inquietantes.

Bert de Beul nos muestra una naturaleza imprecisa, una invocación a la circularidad del tiempo y de la mente, una idea muy antigua que Nietzsche reanudó para lanzarla como un reto: “que puedas vivir de nuevo cada momento del tiempo una vez, y otra y otra…”. Terrible imagen y escalofriante la eternidad, porque tensa el arco de la vida hasta su límite y que, si lo asumimos, nos sitúa definitivamente ante los hechos.

Cada cuadro es plasmado como una ventana abierta al exterior, a través de la cual se enmarca la concentración de una mirada amorosa, serena y suave. Con el uso de un lenguaje conciso, refinado y sintético, con trazos imprecisos que perfila las formas con un suave cromatismo. Una pintura que emana de manera natural, reduce los elementos descriptivos a la mínima expresión y los impregna de una bruma misteriosa, hasta espiritual, como el sfumato de Leonardo da Vinci.

Las considero un conjunto de obras bellas y complejas, y en estos tiempos alcanzan a ser clarificadoras en muchos ámbitos de nuestra existencia. En la pintura y en la práctica artística también lo son. Aficionados, impostores, aquellos que simulaban o pretendían ser pintores se han encontrado con un panorama que exige de nuevo autenticidad y oficio, talento

Le triomphe de la peinture

2011-10-13T18:32:00.000+02:00

El nu és la forma estètica per excel.lència on convergeixen molts camps diferents, és on el pintor demostra que és artista, amb el domini de l’anatomia i el color. Si fem un repàs a la història de la pintura europea ho veiem clar, tot i que és durant el Renaixement quan la figura adquireix una major bellesa i gràcia, i on el pintor la converteix en una figura per ser admirada. Dones que s’acullen en el seu paper de veritables Venus, les deesses associades a l’amor i la bellesa.

Ricard Chiang (Barcelona, 1966) va deixar fa temps els personatges funests i els colors negres per continuar en l’art de la pintura figurativa, amb una tècnica que domina de manera extraordinària per mostrar bellesa, això sí, amb aquella aura de misteri que mai pretén perdre de vista. Aquestes quatre peces de gran format (la més gran fa 2,20m x 1,22m) que exposa a la Galeria Xavier Fiol, són pintures sobre taula sotmeses a una infinita capa de veladures amb acrílics, laques, carbons i resines.

El cossos floten i les emocions es fan inestables per una força incontenible. Onirisme, desig, poesia..., impregnen aquestes propostes representant unes dones poderoses, un poc xaman i connectades, a parts iguals, amb la terra i el cel.

La dona, un tema gairebé de privilegi als ulls de l’espectador, nua o vestida, que observa o que és observada. Al llarg de la història: sorpresa, víctima de mirades furtives, solitària, divina... Perquè, no ens hem d’enganyar, des del Quatrocentto el que feien els déus de l’Olimp eren bromes en mons ingràvids i gentils, com bombolles de sabó. Boticelli, tan famós per la seva Venus que neix d’una conquilla enmig del mar i per la seva increïble representació de la primavera, ens va ensenyar com era la més bella de les deesses i va demostrar que una imatge és capaç d’expressar la subtilesa més etèria.

Al llarg dels segles allò realment complicat ha estat treure la imatge de la dona del terreny del simple desig, per introduir-la al paisatge del poder. No representar-la com amant o simple delícia pels sentits, sinó com a poderosa, però hi ha un inconvenient: la dona, genèricament, mai han tingut poder. En una societat patriarcal, l’home ha estat la mesura de totes les coses i la imatge femenina una mena de joguina eròtica i decorativa pel plaer dels vouyeurs. Només cal recordar les estances privades de monarques i papes pel seu gaudi privat.

Aquesta subtilesa, tensió emotiva i torbadora connecta amb una relació pictòrica i passional com la que varen tenir Salvador Dalí i Gala.

Dalí ens obre la porta històrica i freudiana d'aquest incipient amor en la següent frase: «Ella seria la meva Gradiva (la que avança), la meva deessa de la Victòria, la meva dona. Per a això calia que em guarís. I això em va curar gràcies a la potència indomable i insondable del seu amor.»

Gala havia escrit: «Què és l'amor? En primer lloc és la pèrdua del pes, després l'ascensió lleugera, segura, d'un vol directe, és el turment que ho envaeix i cobreix tot com una cúpula gegantina, és detestar les separacions, és una angoixa infinita al costat d'una generositat il.limitada, és la velocitat incalculable d'un bòlid i la immobilitat d'un mort, la persistència, la desesperació, el dubte, la decadència, l'alegria extrema, sense límits, l'alegria que et fereix i se’t clava fort, l’alegria immensa. Fe sense constatació»

Mappelthorpe també va fer molts retrats de Patti Smith potser per presumir d’allò que tots dos sabien: els seus talents bategaven amb el mateix cor.

Venus. Ricard Chiang

Galeria Xavier Fiol

Carrer Sant Jaume, 23A (Palma)

Fins al 15 de novembre

El gran sueño americano

2011-10-10T13:14:00.000+02:00

Hay muchas formas de entender el paisaje y Nicholas Woods (Virginia, 1971) admite sentirse atraído extraordinariamente por él. Hace tres años nos ofrecía en Maior sus paisajes solitarios y tácitos, sus horizontes ahogados con presencia humana, evidentes, intuitivos e cuidadosamente sexuales, recuerdo haber citado fragmentos de la biografía de Catherine Millet. En “10 Mirror drawings” el artista invita al espectador a otro acto privado pero que se carga de sentido gracias a la humildad de su presentación.

En un proceso de reconstrucción, Nicholas Woods retorna a la naturaleza la parte incorpórea y pasajera de la existencia. Recupera las sombras escondidas de los árboles, las ramas, las espigas o las hojas, y las materializa al reflejarlas en un espejo recubierto de esmalte blanco. Mediante un fino grabado imprime su paisaje, luego la luz y el contraste proporcionan el enfoque oportuno.

Es su propio sentimiento del paisaje, vivido y percatado con una intensidad que luego traslada al soporte, no en referencia, sino en esencia; como su alma silenciosa, traducida plásticamente con un lenguaje austero y sintético.

Una instalación completa la propuesta: decenas de cajas de ensaimada colocadas en pilas, diámetros y formas diferentes, con cubiertas pintadas en pastel seco. Soporte original y autóctono para seguir mostrando la visión incisiva y lóbrega de su cultura norteamericana. Nicholas Woods nos vuelve a ofrecer con estas piezas un paisaje cultural, con un tratamiento estético minimalista y austero, pero con identidad que es capaz de ilustrar el sueño americano al límite de lo extraño y la inquietud más indómita. Puede que sea una particularidad del cine de David Lynch: plástico, discontinuo, inquietante, con trazos de obra experimental, unida a relatos donde se mezcla lo real con lo fantástico y en la mente de sus personajes.

La obra de Woods me resulta curiosa, se centra en un tema único pero sigue diferentes direcciones plásticas, unas más acertadas que otras, pero en cualquier caso con una fuerza cargada de innegable lirismo.

Arte y escritura

2011-10-03T12:59:00.000+02:00

Capaz de reflexionar de muchas formas sobre una única palabra o elemento, el artista Pep Llambías (Alaró, 1954) no se ha movido de sus planteamientos temáticos básicos con sus característicos códigos lingüísticos en los que el ser humano tiene un protagonismo absoluto.

Él insiste en la doble interrogación sobre la vida que llevamos y el lugar en el que nos encontramos, y usa estructuras primarias que centran su discurso basado en una reflexión sobre conceptos de carácter ancestral.
Llambías se ha ido apoderando de restos de vida (ramas, nidos, animales e insectos disecados) trasladados desde la arqueología del recuerdo en un diálogo con la misma vida (luces de neón, madera, resina, papel, hierro o cristal) de igual forma con elementos relacionados con el paso del tiempo, con los que materializa metáforas, con una fuerte carga simbólica y piezas de una delicada belleza.
Esculturas, poemas visuales y obras sobre papel, todas ellas bajo el predominio de la mezcla entre luz y palabras. Acciones caligráficas que, de una forma expansiva y en permanente suspensión, se entienden como la escritura de las páginas del libro de nuestra vida. Como un relato autobiográfico que se prolonga en secuencias y que vamos reconsiderando a lo largo del tiempo. Preguntas latentes y normas relegadas en un juego en el que mujeres y hombres se muestran efímeros y objetos perpetuos.

Pep Llambías empezó su carrera con obras inspiradas en la naturaleza a las que fue incorporando soportes y estilos tan variados como el pop, la poesía visual o el lenguaje escrito. A estas alturas, da la sensación en la obra actual de Llambías que las piezas existen previamente en el interior del artista y que su trabajo consiste sólo en desvelarlas. Con un espíritu casi irrefutable, el creador mallorquín invita al espectador a descubrir sus instalaciones, sus representaciones, que plantean preguntas universales sobre la existencia humana, cuestiones sentimentales a la vez que contradictorias, como la vida misma.

Decàleg de tardor. Propostes expositives arreu d'Europa

2011-09-28T21:00:00.000+02:00

Comença un nou curs i els museus, galeries, fundacions i espais expositius afronten una nova temporada carregada de projectes, exhibicions i propostes que no ens poden deixar indiferents. Si teniu la possibilitat de viatjar només cal posar els peus a terra i en qualsevol cas fer volar la imaginació.

Els que hem utilitzat una càmera Polaroid no podem oblidar l’olor únic de la seva emulsió. El fotògraf Helmut Newton en disparava unes quantes durant les seves sessions per tenir-ho tot ben controlat. I precisament s’han reunit unes 300 d’aquelles imatges que s’exposen per primera vegada amb aportacions personals incloses. Curioses notes addicionals de Newton escrites a les vores resulten fascinants i aporten testimoni de l’enfocament pragmàtic i uns detalls singulars per a l’espectador. Fins al 20 de novembre a la Fundació Helmut Newton de Berlín.

Podem viatjar fins a Suïssa per visitar la col.lecció del matrimoni Hahnloser que es mostra a la Fondation de l'Hermitage a Lausanne fins al 23 d’octubre. Entre el 1905 i el 1936 la parella va reunir obres dels seus amics artistes: ni més ni menys que Matisse, Manet, Giacometti o Van Gogh... Va ser el pintor Pierre Bonnard, que va introduir els Hahnloser en l'escena artística parisenca, per ajudar i aconsellar en les seves compres, i crec que ho van fer força bé.

I parlant de Giacometti; el 17 d’octubre s’inaugura al Museu Picasso de Málaga una gran retrospectiva de l’artista. Unes 160 obres i prop de 20 fotografies d’altres autors que s’encarreguen de documentar el treball del creador suís. Obres que pretenen donar-ne una àmplia visió, sense el reduccionisme habitual al contemplar Alberto Giacometti, com la reiterada peça de bronze “L’home que camina”, per cert una de les obres més cares que s’han venut mai en una subhasta.

Més proper: L'artista Carlos Pazos presenta fins al 5 de novembre a la galeria Michel Soskine de Madrid el seu treball més recent amb el títol “Poso de Batallas”. La mostra, primera exposició individual de l'artista a la galeria, reuneix 16 escultures, dos collages i un vídeo. Nines flamenques, guitarres de joguina, boles de discoteca, tocadiscs de plàstic, fragments de jocs de taula o telèfons espatllats ... són alguns dels fetitxes o elements "feroçment inútils" que componen les instal.lacions i objectes de l'artista català.

Si heu estat al Guggenheim de Bilbao, segur que recordareu les impressionants escultures de Richard Serra. Ara, i després d’haver passat per Basilea i New York hi arriba l’exposició “Brancusi-Serra”. Reflexions diverses sobre l’espai, sobre l'encotillament que generen els marcs en la pintura, el pedestal, la vitrina en l’escultura, els materials; sobre com poden compartir espai l’espectador i l’obra, sobre l’efecte que genera la corba..., aquestes són algunes de les reflexions que poden sorgir a partir de l’obra de dos dels màxims exponents de l’escultura del segle XX. Una excusa fantàstica per visitar el País Basc a partir d’octubre.

El canadenc Jeff Wall , considerat un dels fotògrafs més influents de les darreres dècades i que amb les seves caixes de llum es va proposar delimitar els paradigmes de la fotografia, serà el protagonista d'una gran exposició que obrirà les seves portes el 12 de novembre al Centre Gallec d'Art Contemporani (CGAC) de Santiago de Compostela.

Després de passar per la Tate Modern de Londres, la Fundació Joan Miró de Barcelona acollirà a partir del 16 d’octubre la mostra “Joan Miró. L'escala de l'evasió”, la més gran retrospectiva dedicada a l'artista en els darrers 50 anys, incloent al voltant de 160 olis, treballs sobre paper i escultures que posen de manifest el compromís polític mantingut per Miró al llarg de la seva vida.

I no puc acabar aquest recull recordant que encara teniu temps, fins a finals de novembre, per passejar per la Biennal d’art de Venècia. L'artista barcelonina Mabel Palacín va ser l’escollida per representar Catalunya i les Illes Balears amb una proposta que reflexiona sobre les contradiccions visuals de la contemporaneïtat a partir de fotografies d’alta definició. Una reversió fotogràfica de la veduta, aquest gènere pictòric del settecento que va popularitzar la ciutat de Venècia a través de vistes panoràmiques dels seus paisatges urbans. I crítiques, i moltes, són les que s’ha endut Dora García amb la seva obra “Lo inadecuado”. L’artista ha volgut respondre a l’anacronisme dels pavellons nacionals amb una proposta que està interessada en generar discurs, una obra coral que provoca situacions ambigües i produeix dispositius de resposta davant impostures amb aparença de fet real. Dan Graham no s’equivocava quan va dir que la pràctica conceptual de l’art era humor anarquista.

El archivo de las cosas ya dichas

2011-09-25T18:06:00.000+02:00

El objeto repetido y obsoleto, cuando deja de tener uso, permite incontables especulaciones poéticas. Cuando ese objeto deja de ser empleado con aquella finalidad por la que fue creada, se dirige hacia otra deriva totalmente distinta. Esta es una de las primeras lecciones necesarias para entender el arte contemporáneo. La propuesta del objet trouvé de Marcel Duchamp elevó ciertos elementos a la categoría de obra de arte, y ha seguido su curso hasta nuestros días.
Alícia Martín (Madrid, 1964) nos propone el libro como materia prima, y con un título como “Antónimos” describe un término que puede no expresar una idea negativa si no simplemente establecer una posición entre uno y otro. El libro plantea la representación física del conocimiento, quizá cuestionando todo lo que se aprende a partir de ellos.
Foucault hablaba de los artistas como “arqueólogos del saber”, porque viven de la pulsión del archivo y son capaces de convertir físicamente la información en historia en ocasiones perdida. Una muestra en la que la esencia poderosa de la palabra, no sólo actúa como grafismo, sino que refuerza la contextualización de significaciones. El impacto de la palabra, del libro, del conocimiento, confluye con la imagen, igual que la repetición expresa la eternidad contra la permanencia.
La letra impresa es perdurable en el tiempo y adquiere un valor de autoridad, en cambio el dibujo en tiza debe ser una de las tareas más ingratas que existen, por su condición de obra efímera. Alícia Martín la recalca en ocho piezas esparcidas, difusas en el espacio. De pronto me acordé de los dibujos sobre pavimento hechos por el británico Julian Beever, arte callejero en estado puro.
La vacilación entorno al tiempo y su paradoxal vivencia pone en juego una exposición efectiva formada por fotografía, vídeo, escultura e instalación. Trabajo textual y conceptual perseguido por filósofos, artistas y físicos a lo largo de la historia. “Nunca es siempre”, afirmaba Nietzsche en una de sus hipótesis, y ciertamente turbador resulta en estos tiempos, los nuestros.

2011-09-20T19:06:00.001+02:00

ANEMOI
EL MOVIMENT DE LES FORMES NUES

ISABEL CASTRO JUNG

UN PROJECTE COMISSARIAT PER GEORGINA SAS

L’efecte és de mínims, d’intangibilitat i lleugeresa. En canvi la seva elaboració és de màxims, de complexitat i meticulositat. Isabel Castro Jung és una artista multidisciplinària que usa moltes opcions expressives, des de la instal.lació fins al dibuix, la fotografia, el gravat, la performance o el vídeo. Però el mitjà no és més que un instrument al servei d’una realitat sensible i d’una experiència vital passada pel cos.

En aquest projecte l’artista explora l’espai a partir de l’estudi d’un element tan bàsic com l’aire, que va modificant els diversos components per oferir, en tota la seva simplicitat, una forma determinada i un referent molt clar.

Paraula estranya, condició desconeguda, evanescent i difusa. Com va escriure Georges Bataille a L’experiència interior: “el silenci és de totes les paraules, la més poètica i més perversa: ella mateixa és la prova de la seva mort”. I es que aquesta exposició, és una recerca coral per fer present i evident allò que es defineix com el silenci, la pura absència, la solitud, la capacitat de moviment i d’adaptació als espais físics. Una energia transmesa pel cos i projectada a l’infinit amb un fort anhel d’evasió i de força, aquella que mai hauríem de perdre al llarg de la nostra vida.

L'esdeveniment performàtic esdevé la base i el punt de partida de la proposta per Isabel Castro Jung. No desenvolupa una acció argumental, sinó que centra tota l'atenció en els elements que la formen: acció, paraula,so i objectes. Aquests elements són el corpus principal de l’exposició que presenta a ABA Art Contemporani: amb la performance explora de manera emocional el món complex de les relacions humanes, propiciant noves lectures plàstiques i simbòliques en els receptors. El què en queda són els vestigis del propi cos, que s’adapta, que es mou en una certa ingravidesa, amb sons esmorteïts.

Allò humà sorgeix com a moment conceptual i, en tant que idea; com va assenyalar Foucault, obté aquell caràcter variable que tenen les petjades damunt la platja que les onades esborren tot d’una.

El vestit es converteix en un refugi que ens erigeix a fer visible un procés de creació i reinvenció constant. L’estructura central esdevé l’essència, i a través del seu gest, sorgeixen les altres peces que contenen tanta experiència artística com participació física.

Amb aquesta proposta artística procedirem a una experiència vivencial de la que els espectadors en seran partícips amb tots els recursos cinestèsics, és a dir sensació i percepció del moviment, que es capaç de manejar eficaçment i creativament Isabel Castro Jung.

Georgina Sas, la comissària de l’exposició

Com diu Foucault, el cos humà és el protagonista de les utopies i estem condemnats a suportar-lo.

ABA ART CONTEMPORANI

PLAÇA PORTA DE SANTA CATALINA 21 B, 07012 PALMA DE MALLORCA

TEL. 971 717 835, http://www.abaart.com/

En primera persona. Paco & Manolo + Sito Mújica

2011-09-20T14:02:00.000+02:00

El Hombre de Vitruvio es probablemente una de las imágenes más famosas y reconocibles de Leonardo da Vinci. Para el genio italiano el hombre era el modelo del universo, y lo más importante, el hecho de vincular lo que descubría en el interior del cuerpo humano con lo que observaba en la naturaleza, le ofrecía el conocimiento del mundo visible que necesitaba para su arte.
La obra artística ha sido siempre fundamentalmente susceptible de reproducción y sus cuadros más célebres han sido copiados infinidad de veces. Este hecho, este método de apropiación, ha convertido al “copiador” en una especie de vouyeur.
En este trabajo presentado en Addaya el fotógrafo capta la realidad y el dibujante la reinterpreta cargada del mismo lirismo, exquisita técnica y atinada escenografía.
“Memento Mori” completa un proyecto que versiona distintas imágenes de lugares encontrados y siete personajes masculinos, totalmente reales. A partir de las trece fotografías de Paco y Manolo (Barcelona, 1967 y 1968) y los doce dibujos de Sito Múgica (Sabadell, 1971), se establece una relación con carácter de extracto pero con una riqueza de contrastes renovados. Luego vienen las sugerencias, algunas cinematográficas como Tarkovsky.
Con “Memento Mori” nos recuerdan nuestra mortalidad como lo había hecho Muriel Spark en su novela con título homónimo. Un relato que trata sobre la muerte, y que en los años cincuenta fue algo inusual para una autora joven al principio de su carrera. En los años sesenta vinieron los movimientos de liberación sexual pero se vieron frenados con el sida; el mundo artístico fue uno de los más afectados en la década de los ochenta. A pesar de ello, un activismo artístico tomaba conciencia de la enfermedad, intentaba superar el miedo y conceptos morales impuestos por la religión, casualmente relacionados con el sexo.
Lo cierto es que, más allá de las diferencias formales, a estos tres creadores les une el mismo deseo: el de buscar la vida al otro lado del objetivo y desplegar su talento a favor de la imagen.

Bons propòsits artístics

2011-09-15T12:42:00.000+02:00

Un any més (avui 15 de setembre!) ens acostem a “La Nit de l’Art”, un esdeveniment que dóna el tret de sortida a la nova temporada a l’illa, i en tots els sentits: cultural i social, tot i que per la immensa majoria el darrer aspecte sigui el més destacable. No fa res, allò veritablement important és sortir de casa amb l’excusa de la cultura, i que el fet es converteixi en el dia en què les portes de vidre de les galeries i els centre d’art no només serveixin de mirall improvisat.

És una època de canvis, en molts aspectes; la cultura del projecte va desplaçant la cultura de l’objecte: ni els artistes treballen de la mateixa manera, ni les galeries poden seguir el ritme de fa uns anys. L’eterna negativa situació econòmica, els canvis polítics, els nous càrrecs al capdavant de la cultura..., està per veure quins camins prendran.

El que és obvi es que propostes com “La Nit de l’Art” et conviden a dinamitzar, entrar, comprendre, sentir i reflexionar. En definitiva, a abordar el joc de l’art, sense barreres ni intel.lectualismes barats.

Més d’una trentena d’espais acolliran la nit del 15 de setembre les inauguracions simultànies de desenes d’artistes amb propostes molt variades; exposicions col.lectives i individuals, artistes novells i d’altres amb consolidada trajectòria; i com sempre multitud de suports: pintura, fotografia, gravat, dibuix, vídeo, escultura, instal.lacions, performances...

Tot i que el gruix dels actes es localitzin a Ciutat, altres galeries com Addaya Centre d’Art Contemporani a Alaró, el CCA a Andratx o Galeries Bennassar de Pollença s’ompliran d’apassionats de l’art. I passió és la que desprèn Miquel Mesquida amb una pintura híbrida on hi conflueixen diversos estils i autors com l’expressionisme abstracte, el primitivisme o el grafit. Sempre em sorprèn, sempre m’agrada, i ara torna de la mà de Galeries Bennàsssar.

I anem cap a Palma: Toni Catany a Galeria Ferran Cano. Això és una bona notícia ja que es tracta d’una de les personalitats més singulars del panorama de la fotografia contemporània, i que curiosament ha rebut més premis i honors fora de la seva Mallorca. L’afany d’investigació l’ha dut darrerament a “Arxiu d’Ombres” , unes impressions en platí/pal•ladi, que són la crème de la crème de l’art fotogràfic. Des del 1800 la majoria dels grans al llarg de la història de la fotografia han fet servir aquest procés per produir aquestes imatges en platí.

Coneguda per les seves espectaculars cascades de llibres de més de 3.000 exemplars es presenta l’artista Alícia Martín però amb una proposta que duu el nom de “Antónimos”, una altra al.lusió literària. Una de les constants en la seva obra és l’ús del llibre, juntament amb la metàfora del temps, l’ocupació de l’espai, la memòria bibliogràfica o certs qüestionaments de tot allò que té a veure amb l’aprenentatge. Serà a l’Espai Quatre del Casal Solleric.

Dones, representacions florals i paisatges urbans, en colors vius i amb traços bàsics, destaquen en les obres d'estil contemporani del pintor colombià, Willy Ramos, que s'exhibiran a la Galeria Gabriel Vanrell sota l’epígraf de “Cuando el color baila”.

Tanit Plana és una creadora que fa de la fotografia una crònica del que li ha tocat viure. Es tracta d’una mirada apassionada que observa i denuncia, que exposa un món sense embuts i busca explicacions potser sense ser-ne gaire conscient. Tanit Plana no pretén amb les seves núvies i el projecte “Per Sempre” només retratar el món sinó, sobretot expressar els seus sentiments i les seves pròpies emocions. Crec que serà una de les exposicions més lírica i en primera persona que podrem veure. Serà al CaixaForum.

I una altra dona amb molta força és Isabel Castro Jung que presenta “ANEMOI, el moviment de les formes nues”, una proposta per ABA Art Contemporani i que tinc l’honor de comissiarar. Una obra que engloba unes quantes disciplines artístiques i que resulta apassionant per aquest esperit indomable que hi imprimeix l’artista.

L’artista suís Rolf Knie, famós per les seves pintures de circ, a la Galeria Joan Guaita; l’art digital de Carlo Zanni de la mà de Mercedes Estarellas a la Galeria SKL; Pep Llambías amb la seva lògica de la repetició ens pot tornar a sorprendre enguany amb el seu esperit tant analític.

Un munt de noms propis més: Eduard Vich, Manolo Paz, Pep Canyelles, Atsuro Nakamura, Nicolas Woods, Dennis Hollingsworth, Liliane Tomaso, Christian Boltanski..., tots ells ja preparats per aportar, almenys un poc d’il.lusió en una època d’angoixa i d’esfondrament de certs valors culturals. Cal que tots ens posem en moviment per veure un futur millor i realitzar des de l’art una feina que generi confiança, i sobretot lliure. De ganes no en falten.

I no puc acabar aquest article sense dedicar unes paraules al periodista Josep-Joan Rosselló recentment desaparegut. Precisament fa un any que el vaig conèixer, en una tertúlia que vam compartir per a IB3 Ràdio durant la Nit de l’Art. Em va fer falta molt poc temps per apreciar-lo com un bon amic. Bon viatge mestre.

Mujer y arte

2011-09-12T09:37:00.000+02:00

Mujeres que se buscan a sí mismas, que desean tener una vida propia y crecer con un proyecto de modernidad. Un buen ejemplo lo da Gisela Ràfols (Vilafranca del Penedès, Barcelona, 1984), porque desde su propia imagen imprime sentido de lucha, fortaleza y sensibilidad. Su medio no es más que un instrumento al servicio de una realidad sensible, de una experiencia de vida pasada por el cuerpo. Artistas pioneras de la modernidad como Claude Cahun, Hannah Höch, Germaine Richier o Diane Arbus en los años 60, con la actualización del discurso feminista y el acceso de una generación entera en la práctica del arte, el arte hecho por mujeres dejó de ser adyacente para pasar a convertirse en una línea fundamental de las nuevas corrientes del arte del siglo XX. Ya en este siglo: Marina Abramovic, Hannah Wilke, Annette Messager, Ana Mendieta, Jana Sterbak…
Gisela Ràfols presenta en Can Monroig el proyecto realizado durante su residencia en Addaya Centre d’Art Contemporani durante este verano. Fotografías de pequeño y medio formato además de un vídeo se agrupan para ofrecer, desde lo más poético, estas imágenes dobles y borrosas.
El arte ha transitado de manera recurrente sin agotar la condición fantasmal: Màlevitx, Klein, Duchamp, Asher, Barry…Sonido, acción, movimiento y luz, estos podrían ser los puntales donde descargar esta búsqueda y hacer evidente eso que se define como la pura ausencia. Un eclipse de miradas, una temática impulsada por el cuerpo y una puesta en escena muy teatral que habla de las emociones, las coincidencias, la dependencia o la búsqueda de la identidad.
Lo cierto es que los creadores contemporáneos trabajan en unas condiciones de precariedad, sus ingresos son insignificantes, pero algunos se resisten a entrar en una espiral victimista. Su inestabilidad laboral se traduce en práctica creativa, alejada del recelo y la impostura. Residencias cómo esta y la que la ha trasladado ahora a Pekín la harán crecer como artista y como persona, porque Gisela tiene la suerte de ser muy joven.

Anemoi a ABA Art Contemporani per a La Nit de l'Art'11

2011-09-08T18:25:00.000+02:00

Pintura entre formas

2011-09-05T09:16:00.000+02:00

Considerado un artista entre dos mundos, el de la modernidad dominada por el idealismo romántico y el de la libertad experimental con el uso de la abstracción, Ñaco Fabré (Palma, 1965) vuelve, después de tres años, a la galería Joan Melià de Alcúdia.

Otra experimentación que le ha llevado a presentar más de veinte piezas entre pintura y dibujos de diverso tamaño, en una galería donde admite sentirse cómodo y que le permite volver a situar al espectador en la frágil medida entre la densidad de la pintura plana y sus paisajes llenos de emotividad.
Trazos, caligrafía, grafismos, geometría, planos superpuestos…, que el artista organiza como si se tratasen de constelaciones secretamente ordenadas. A partir de conexiones visuales y estructurales entre las diversas piezas, el indisoluble horizonte acompaña al espectador provocando nuevas transcripciones y sinergias.
Al observar la obra de Ñaco Fabré uno tiene la sensación de asistir a la visión de fragmentos de mundo ubicados en el infinito, en ocasiones sin marco establecido. Las salas y las paredes de la galería actúan como elemento activo que conecta episodios y confronta temas plurales, incluso tamaños diversos. Pintura que evoca residuos que se van convirtiendo en pinceladas tridimensionales, de gesto árido, cuerpos insólitos y residuos compactos que llenan el lienzo.
A menudo el arte se convierte en terapia, y con esta afirmación tengo presente las teorías de Freud; la obra de arte libera las inclinaciones inconscientes del creador a través de un mecanismo de transferencia. De este modo, se convierte en terapia para el artista y también para el espectador, de la misma forma que los sueños dan vida a los deseos censurados, o las deformaciones sustitutivas. Asimismo, si partimos de la base que el arte funciona como memoria, entonces la creación es una confesión del autor, un medio de expresión de la verdad interior, que sólo hay que aprender a interpretar. La de Ñaco Fabré es sin duda una pintura serena, sensitiva y con efecto.

Fotografies: Juanjo M. Rotger (moltes gràcies!)

La proposta d'ABA Art Contemporani per a La Nit de l'Art'11

2011-09-04T21:49:00.000+02:00

ANEMOI, el moviment de les formes nues

Podríem pensar que el cos és el principal motiu inspirador de l’art de les dones, però cada vegada és més present en tots els àmbits de les arts. Com diu Foucault, el cos humà és el protagonista de les utopies i estem condemnats a suportar-lo. L’afany no pot escapar al fons d’aquesta reflexió i és en l’art contemporani on aquest fet pot ser explicat i expressat de manera més lliure.

Sota d’aquest discurs hi ha una visió del món i de la vida i així ho vol expressar Isabel Castro Jung amb una exposició per ABA Art Contemporani. Una obra que engloba unes quantes disciplines artístiques (instal.lació, dibuix, gravat, vídeo, fotografia i performance) i que resulta apassionant per aquest esperit indomable que hi imprimeix.

L’eix central de l’exposició gira al voltant d’una escultura inspirada en el vent i que evoca el nomadisme, la capacitat de moviment i d’adaptació als espais físics. Una energia transmesa pel cos i projectada a l’infinit amb un fort anhel d’evasió.

El vestit es converteix en un refugi que ens erigeix a fer visible un procés de creació i reinvenció constant. L’estructura central esdevé l’essència i a través del seu gest sorgeixen les altres peces que contenen tanta experiència artística com participació física.

Comissiarat per Georgina Sas

Paisajes extraviados

2011-08-29T09:23:00.000+02:00

Fellini inmortalizó la Roma del siglo XX con películas tan emblemáticas como La Dolce Vita. La ciudad eterna pasó a convertirse en personaje y escenografía, motor de inspiración y espacio vital.

Tres siglos antes pintores como Canaletto y Guardi habían instaurado las vistas pintadas de Venecia, las conocidas vedute. Panini se especializó en vedute de Roma y en ellas mezclaba ficción y realidad en sus imágenes de calles, monumentos y plazas. Trataba de embellecer aún más si cabe la ciudad para satisfacer la demanda de turistas que la visitaban ya en esa época. Se llamaba el Grand Tour y aquellas piezas eran los souvenirs más valiosos para esos jóvenes ricos en busca de su magno viaje a la cuna de la civilización occidental. Unas pinturas fascinantes, con gran sentido escenográfico.
Nuevas y contemporáneas hipótesis visuales sobre la imagen son las que nos propone Laura Marte (Barcelona, 1976) en este proyecto para Noves Presències del Consell de Mallorca. Del mismo modo, con gran sentido escenográfico presenta supuestas ficciones exhibidas en unos parámetros que podríamos considerar reales, que amplia los códigos de simulación y nos acercan al paisaje vinculado a la estética del simulacro. El paisaje es para Laura Marte su máxima representación pictórica y para este diálogo de ficción/realidad utiliza el dibujo, el vídeo, el collage y la fotografía.
En la pieza principal el paisaje paisaje real queda escondido detrás de una valla publicitaria, fijando un póster de 24 metros cuadrados en ella, para que reproduzca lo que hay detrás y la percepción transmita una mirada real pero imaginada. Una repetición de un mismo pensamiento a través de distintas expresiones, que abarcaría el conjunto de su proyecto.
El pensamiento del francés Jean Baudrillard, influido, entre otros por Baudelaire, Nietzsche o Sartre y seguido por artistas como Jeff Koons o Steinbach, concibe la sociedad del capitalismo masivo, como un espectáculo fantasmagórico en que el valor de cambio de un objeto ya no obedece a cuestiones de orden económico, sino a criterios de moda y prestigio vinculados al lenguaje de la publicidad. Y visto esto…,¿no será que la imagen artificial habrá superado nuestro propio paisaje?

Nuevos retos contemporáneos

2011-08-22T12:05:00.000+02:00

A principios de los años ochenta, una de las aportaciones fundamentales de la escena artística fue la reaparición de la pintura, después que los discursos conceptuales de la década anterior cediesen su protagonismo. Los pintores se interesaron enseguida en explorar su naturaleza y a legitimarla desde el punto de vista teórico. En España coincidió con la etapa de consolidación de la democracia y dio como resultado una actitud de recuperación y relectura de la tradición plástica.

Luis Gordillo (Sevilla, 1934) se introdujo primero en el campo de la abstracción y luego en el de la figuración; desde el principio abordó de una manera muy particular la abstracción y el constructivismo geométrico. Con la introducción de elementos de la iconografía del mass media como ciertos elementos seriados, fue subrayando la carga crítica e irónica en su obra que aun hoy pervive con mucha fuerza.
Ver su obra es como entrar en un laberinto que manifiesta ciertas contradicciones psicológicas del ser humano, ciertos desengaños o angustias vitales. Sus formas, que parecen automáticas, se van superponiendo en configuraciones con un cierto aspecto orgánico e irreprimible cromatismo artificial. Una de las aportaciones más singulares de Luis Gordillo al arte contemporáneo ha sido la definición de estrategias cromáticas apropiadas de fenomenologías urbanas actuales como el graffiti.
Gordillo lleva tiempo utilizando la fotografía como soporte artístico y experimentando con los avances informáticos, de hecho la fotografía se ha convertido para el artista sevillano en un objeto de culto que siempre está presente en su trabajo.
Ahora presenta en Maior de Pollença piezas de caóticas acumulaciones, sin contención cromática; en un juego entre la visibilidad y la ocultación, para que la mirada interior del espectador pueda ir descubriendo pausadamente sus propias huellas.
Sus imágenes casi hipnóticas evocan el infinito, una aventura de conocimiento de la que sólo el arte tiene la clave de acceso. Sólo una mente inquieta es capaz de hacer evolucionar su pintura de esta forma a lo largo de las décadas y ofrecerla así al espectador.

Un blog molt recomanable. De la mà de Claudi Puchades

2011-08-16T15:11:00.001+02:00

Es un blog de continguts culturals generals amb interès especial per tot el que estigui relacionat amb les Arts Plàstiques i les manifestacions paral.leles i coincidents, i amb tots els seus protagonistes, els artistes que donen a la vida la seva dimensió emocional

http://claudipuchades.blogspot.com/

Y Dios no creó el Universo

2011-08-14T22:22:00.000+02:00

Algunos países de la Europa central fueron los pioneros en convertir sus iglesias en lugares de lectura y espacios de arte. En este ha costado un poco más pero finalmente algunas capillas están ocupadas por proyectos ilustrados. En estos días resulta acertado hablar de religión con la visita de Ratzinger, un gasto millonario que todos tendremos que pagar con nuestros impuestos para venir a condenar “las legislaciones contra la vida”, es decir: el aborto, la reproducción asistida, el divorcio, los matrimonios homosexuales o la muerte digna.
Pero vayamos al proyecto artístico: con un planteamiento más científico que artístico, y utilizando el color como elemento de búsqueda, la pareja de artistas Ben Jakober y Yannick Vu nos proponen un sugestivo diálogo en un antiguo lugar de culto como es la iglesia de Sant Domingo de Pollença.
Una instalación compuesta por nueve discos de dos metros de diámetro colgados en las capillas, que convierten las típicas pruebas ópticas para el daltonismo en desafíos a la comprensión y convergen en un gran espejo cóncavo en el altar que refleja la totalidad de las obras, como si de una comprensión universal se tratase. Inspiradas en las famosas cartas de Ishihara, los discos mezclan diferentes tonalidades para dibujar números invisibles para un daltónico, una deficiencia visual consistente en la incapacidad para distinguir diferentes colores.
La sociedad de la información, consumadamente visual basada en la apariencia y el espectáculo, la saturación y la contaminación de imágenes que recibimos como espectadores pasivos, provoca que propuestas como esta reflexionen sobre los conceptos de la invisibilidad, lo inmaterial y la percepción del objeto de dar cuerpo a lo que existe pero que se mantiene oculto e inadvertido.
Una luz fruto, no de ningún efecto milagroso sino de pura alquimia de las formas, donde el ojo humano es el encargado de procesar los colores y descifrar los números ocultos en su interior. Piezas con un componente arquitectónico importante que sitúan al espectador en un espacio real y que no impiden el paso, sino que aportan grandes preguntas y son capaces de desvelar posibles respuestas que planean sobre nuestras (algunas) mentes.

Crueldad y lirismo

2011-08-08T12:08:00.000+02:00

Tengo dos razones determinadas para hablar de la exposición de Gervasio Sánchez: haber conocido personalmente hace algunas semanas al fotógrafo Pep Bonet y saber de la publicación de otro ensayo de Paul Preston. Con “El holocausto español” el historiador pretende expresar la masacre de un pueblo y ser una síntesis histórica sin miradas parciales, porque dejando de lado las dos guerras mundiales, en términos relativos, la española fue una sangría sin paralelo en Europa. Hoy día España es una de las potencias mundiales en fabricación de armamento, que exporta a países sin que la gente se escandalice por ello y los bancos puedan seguir cobrando.
Camboya, una de las naciones más castigadas por la barbarie, intenta superar su guerra civil, en un contexto marcado por la pobreza y por el peligro de poner una pierna en un lugar desafortunado. Todos recordamos las campañas de la princesa Diana de Gales a mediados de los años noventa y sus viajes a Angola para visitar las víctimas de las minas antipersona.
Ahí está el trabajo de otro fotoperiodista Premio Nacional de Fotografía en 2009, Gervasio Sánchez (Córdoba, 1959) y su exposición que lleva por título “Cambodja, terra d’esperança”, porque él intenta transmitir un mensaje optimista atrapado en multitud de miradas llenas, precisamente de esperanza. No muestra nunca la violencia en presente sino la que queda luego, para poder denunciar la realidad de la forma más desnuda posible. En las fotografías de Gervasio Sánchez el mundo es un holocausto diario pero captado desde la vida cotidiana y la exuberancia natural del país. Fotografías muy elaboradas, coloristas y a la vez serenas, que intentan captar la esencia, algo en que también insiste uno de nuestros grandes fotógrafos: Pep Bonet. Ellos también tienen claro que la fotografía se alza como arma demoledora de la hipocresía de ciertos estados. El blog de Gervasio Sánchez lleva el nombre de “Los desastres de la guerra”, igual que el título de la serie de grabados de Goya donde el horror de la guerra se muestra especialmente crudo y penetrante.

Nil difficile volenti

2011-08-02T12:29:00.000+02:00

Uno de los objetivos, repetidos hasta la saciedad, del arte contemporáneo es que el espectador participe, incluso, que sea él quien lo termine. Hay muchos artistas que se sostienen a esta premisa como una tabla de salvación para justificar obras vacías de significado o simplemente malas. Afortunadamente no estamos ante una de ellas porque la obra de Avelino Sala (Gijón, 1972) posee la capacidad verdadera de ofrecer metáforas que acometen el arte. Una de las exposiciones más interesantes de la temporada en el Espai Quatre del Solleric, sin duda.

Su interés por la palabra es importante porque el texto está omnipresente en toda la exposición alentando al espectador: Nil difficile volenti, una máxima latina que destaca la importancia de la fuerza de voluntad o Concedo Nulli, el lema personal del gran humanista Erasmo, “no cedo ante nadie”. Según Avelino Sala se trata de que la imagen pueda tener diversas lecturas, sin caer en la evidencia. Lo real puede haber pasado a un plano diferente sólo cambiando una letra. En estos tiempos donde el capitalismo feroz y la violencia se apoderan de los ciudadanos, las barricadas vuelven a erigirse como auténticos resguardos. Avelino Sala las ofrece al visitante y les proporciona esa pátina negra, propia del origen de su tierra minera. Son libros, cierto, pero hay discursos y palabras almacenadas que también salvan vidas. Cuando en 1938 el periodista Eduardo de Guzmán relató en su obra Madrid Rojo y Negro el inicio de la guerra civil en Madrid, afirmaba: “Los libros de las bibliotecas forman magníficos parapetos”.
Video, dibujo, escultura, instalación, fotografía…, variedad de soportes que subrayan lo absurdo de los totalitarismos, nos demuestra como son de parecidos aun el paso del tiempo y lo fácil que puede resultar manipular a la sociedad. Para ello vemos imágenes poéticas, recreaciones de paisajes clásicos, símbolos de identidad, reproducciones en dibujo…, recreaciones quiméricas para observar la vida sin demasiada esperanza pero también sin miedo.

De cómo el teléfono cambió el paisaje

2011-07-25T08:52:00.001+02:00

No hay nada que llame la atención especialmente en los retratos de Hans Holbein pero cuanto más los miramos, más parece revelar la personalidad y el espíritu del modelo. Nada parece fruto del azar: cada composición es tan equilibrada que nos resulta obvia enseguida, y esta era la intención de Holbein, y el propósito de la representación de los detalles, de caracterizar un modelo a partir de su entorno, de las cosas entre las que vivía en el siglo XVI.
Cinco siglos después el artista se sigue inspirando en imágenes con este tipo de encuadre tan pictórico pero utilizando la fotografía como técnica. Mar Agüera Llinàs (Inca, 1978) presenta en Ferran Cano unas fotografías en las que se observa la pátina aparente de los años. Figuras femeninas, poses sensuales, personajes inventados, molduras de madera un tanto kitsch y un atrezzo contemporáneo, desde un teléfono móvil a una ración de comida rápida.
Fotografías digitales que Mar Agüera pasa a blanco y negro y que luego manipula para darle este aire antiguo, de fotografía erótica del siglo XIX, cuando este género empezó a abrir muchas posibilidades aunque a veces de forma clandestina. Unas visiones eróticas que quizá bebieron de “El origen del mundo” de Courbet, una obra que expresa en cualquier caso, la anticipación al uso libre del sexo en el siglo XX. Los artistas han sabido ver en el cuerpo humano una fuente de inspiración y belleza, la realidad física más inmediata y los niveles de fascinación y misterio que sólo la anatomía, la sensualidad de la carne, la piel y las expresiones corporales son capaces de articular. Casi siempre femeninos.
Buen trabajo el de Mar Agüera en su conjunto, que como su título indica alude a cosas que no existen más que en la imaginación de cada uno. Me gusta la idea de adaptar la fotografía antigua, su rol en el mundo de la creación y la imagen contemporánea. Gusto por el kitsch, por la cultura popular, el estereotipo, la teatralidad del gesto. Un poco efectista, pero también lo son las obras de Beckett.

L'instant precís

2011-07-22T12:45:00.000+02:00

Ja ho deia Walter Benjamin que no s’ha de confondre la realitat amb la percepció òptica. I així ho hem entès els participants en el seminari “Fotografia: realitat i/o ficció” que es va celebrar durant els tres darrers dies de juny a Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma..

L’estudi de la fotografia s’ha convertit en un repte des de dins i fora de la disciplina, perquè la seva invasió al món actual ultrapassa tota previsió i això ho sabem tots, els que s’hi dediquen professionalment i els que ho mirem des de fora; espectadors, aficionats o crítics. L’anomenada Postfotografia ens satura d’imatges, no d’idees. Internet i les tecnologies digitals han causat un efecte de meteorit: 5.000 milions de telèfons mòbils al món, 60% dels quals tenen càmera, això vol dir que els seus propietaris som fotògrafs en potència i que produïm tantes imatges que no tenim temps ni de mirar-les.
A partir d’aquestes premisses Tanit Plana, Toni Amengual i Dora Sánchez van ser els encarregats de coordinar un seminari amb dos convidats de luxe: Pep Bonet i Joan Fontcuberta.
El mallorquí reconegut internacionalment Pep Bonet (Colònia Sant Jordi, 1974) exerceix de fotògraf des de finals dels noranta quan es va instal.lar a Amsterdam i va visitar una exposició d’Ed van der Elsken, un “street photographer” ja desaparegut que per Bonet explicava històries molt interessants. El 2002 Bonet va ser seleccionat pel World Press Photo Masterclass per a menors de trenta anys amb el treball “Faith” realitzat a Sierra Leone. Després d’aquest viatge en van venir molts d’altres i no menys apassionants: Cuba, Haití, Somalia, Polonia, Etiopia, Zambia, Honduras, Sudan..., i altres guardons com l’Eugene Smith Humanistic Grant.
La fotografia de l’home sense cap de Joel Peter Witkin (New York, 1939) sempre ha fascinat a Pep Bonet i més quan va saber que era una imatge real. Un treball inquietant, desagradable i magnètic d’un fotògraf que va ser a la guerra de Vietnam i que de nen va presenciar un accident de cotxe que el deixaria marcat per sempre, tant que el gust pels morts el va fascinar.
Fotografies de Witkin que no són fàcils de mirar, composicions d’éssers híbrids fetes de fragments de cossos, metamorfosis realitzades en els dipòsits de cadàvers, éssers deformes o amputats... Ell mateix afirma: “És l’home el nucli de tota la meva obra. Fotografio éssers humans, o en tot cas objectes que tenen una relació amb la vida humana o la fragilitat humana. (…)”. I precisament de fragilitat parla la fotografia de Pep Bonet. Al llarg de la seva presentació va insistir en la recerca de “la paraula”, la motivació clau d’un fotògraf. Per ell va ser la “fe”, amb un instint que l’ha conduit a situacions dramàtiques i obscures que ha pogut retratar i ensenyar al món. Donar veu a gent no-visible que ha tingut la mala sort de néixer en el lloc equivocat. El talent, el saber exultant, la visió de la instantània abans de disparar..., en el seu cas l’art i la tècnica de la fotografia són únicament un instrument al servei d’un ull intel.ligent. I és aquest que estimula a fer les fotografies que fa, després hi ha el coratge per viure segons quines situacions i experimentar unes emocions que molt pocs seriem capaços de superar.
I de no-realitat i/o ficció és del que es va parlar en la segona jornada del seminari de la mà d’un altre fotògraf: el català Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955), un tête à tête formidable per comprovar els dos costats de realitat, o no-realitat.
Joan Fontcuberta és fotògraf i exerceix de crític, professor i assagista. Ha rebut el Premi Nacional d'Arts Visuals “pel paper determinant en la cultura fotogràfica contemporània un través de les activitats múltiples" i el títol de Cavaller de les Arts i les Lletres pel Ministeri de Cultura de França. Al llarg de més de trenta anys els seus treballs de creació i reflexió han analitzat entre d’altres els conflictes entre la imatge fotogràfica i la veritat.
Ha treballat intensament en el concepte de veracitat de la imatge; per a ell la fotografia és una construcció, la realitat no existeix, és un efecte estructurat. La seva obra tracta de provocar sempre el dubte sobre l'existència de la mateixa fotografia, i el que en queda quan perd el seu rol com a reflex fidel de la realitat.
Guanyador del Premi Nacional de Fotografia el 1998, la seva obra ha estat adquirida per museus com el MOMA de Nova York i del Centre Georges Pompidou de París. Queda ben clar, i més quan el coneixes personalment, que Fontcuberta no entén la fotografia com una creació aïllada. La curiosa història de l'astronauta Ivan Istochnikov és prova d'això, és curiós com una simulació pot arribar a ser gairebé tangible amb l’excusa que no pretén enganyar sinó proporcionar instruments per evitar-la.
Amb l'aparició recent de les tecnologies digitals, Fontcuberta reflexiona sobre les implicacions de l'expansió de la imatge digital, en projectes com els "googlegrames", on utilitza milers d'imatges trobades amb el cercador, o la sèrie "Manbaa Mokfhi", on proposa una reflexió crítica entorn de la imatge mediatitzada de Bin Laden. Investigacions i reflexions teòriques i crítiques entorn de la fotografia que després transmet en forma de classes i seminaris com el que el va dur a Mallorca fa unes setmanes.
Els dos creadors varen tractar de fer-nos experimentar allò que ells senten i experimenten habitualment. I no solament perpetuen instants, sinó que aconsegueixen que els documents fotogràfics tornin a tenir vida. Que ens ho diguin als participants del seminari: l’emocionant dramatisme de les fotografies d’en Pep Bonet i les il.lusions de Joan Fontcuberta, amb engany inclòs que els participants no vam poder evitar (us recomano que ho vegeu enregistrat en el vídeo que trobareu a: http://vimeo.com/25881648).

Imágenes sobrenaturales

2011-07-18T08:49:00.000+02:00

La cineasta Isabel Coixet introducía en su película “La vida secreta de las palabras” (2005) un oficio singular: contar olas. Habitante de una plataforma petrolífera, Martín era un oceanógrafo con la misión de registrar la intensidad de las olas que rompían contra la base del armazón. Algo que parece que la percepción humana no pueda alcanzar.
Esta es la primera individual en España del también cineasta, fotógrafo y escultor Luis Gispert (Jersey City, 1972). Presenta en Pelaires dos de sus trabajos más relucidos: las fotografías de gran formato en la que une dos imágenes hasta lograr una composición de miradores privilegiados a través de cabinas de avión de guerra norteamericanos y coches tuneados, sobrepuestos a imágenes de paisajes de Arizona, Dubai o Sóller.
Al artista le gusta subvertir las expectativas y los estereotipos de la cultura estadounidense que exagera deliberadamente, en esta exposición ofrece muestra de ello, tanto en sus fotografías de paisajes surrealistas como en su vídeo titulado “Stereomongrel”. Un trabajo de colaboración realizado con otro artista, Jeff Reed y estructurado en el contexto cinematográfico. Se centra en la historia de una niña de 10 años, hija de un guardia de origen latino del Whitney Museum de Nueva York. El vídeo explora el choque de la alta y baja cultura a través de la visión de esta niña con poderes telequinéticos y sobrenaturales que recorre salas del propio museo y que va teniendo encuentros con personajes místicos con los que interacciona y ondas sonoras que emanan de aparatos que nos recuerdan a la cultura hip-hop. La obra está llena de referencias históricas y contemporáneas; estética 3D, animación stop-motion, videoclips, moda o incluso películas de terror.
Gispert utiliza la identidad mestiza como una plataforma para la crítica de la jerarquía social y cultural de los Estados Unidos, quizá su origen cubano sea suficiente motivo. Una superficialidad aparente que consigue un contradictorio efecto de profundidad: pura humanidad o cuerpos en movimiento sin nombre ni relato alguno que saben emerger del yo, y fotografías que no sólo impresionan a primera vista, porque aunque se obtengan con un simple proceso llevan consigo todo un universo.

I can’t live without you

2011-07-11T09:49:00.000+02:00

Cortázar calificó “Rayuela” como su "sentimiento de lo fantástico", una percepción de la realidad que definía extraña, como una irrupción en lo cotidiano de elementos que escapan a las leyes y a las explicaciones de la inteligencia lógica. Juliâo Sarmento (Lisboa, 1948) lo narra plásticamente para que el espectador se interrogue sobre que queda oculto, sin duda le atrae la incertidumbre y provocar la imaginación.
Es la primera vez que la obra de Sarmento se expone en la isla pero asistió poca gente en su inauguración, lo cierto es que se respira un desánimo cultural en todos los ámbitos.
La de Sarmento es una obra muy variada: pintura, collage, grabado, instalación, vídeo, dibujo…, enigmáticas imágenes centradas en el fragmento, estimulador de ciertas fantasías sexuales. Mujeres sin cara, en ocasiones desmembradas, que reivindican sus derechos y una disconformidad con la fragmentación, aunque una mujer jamás estará conforme con la totalidad de su cuerpo, siempre habrá una parte que rechaza o quisiera ocultar. Este diálogo crítico en relación con el propio cuerpo, o con ciertos elementos de sustitución, adquiere una carga política, que se concreta en las relaciones existentes entre la sexualidad y el poder, y que muchas artistas feministas como Anette Mesagger han usado para representar sus reivindicaciones.
Puede que por ello las representaciones de las actrices sean sólo sus interpretaciones en el mundo del cine; no es la imagen de Audrey Hepburn la que aparece sino la de Holly Golightly de “Breakfast at Tiffany’s”, no és Marlene Dietrich sino Amy Holly en “Morocco”. Con ello analiza los códigos que rigen la construcción de la imagen de la mujer del Hollywood clásico y la mirada que transferían al espectador. Un mundo ensoñado y ceñido a ciertos clisés.
Manos locuaces que evocan el lenguaje de signos, un sistema de comunicación basado en signos manuales espontáneos, lo que indica que todos, sordos y oyentes, nacemos con unos principios lingüísticos básicos, abstractos. Este sentido sea quizá el universal que Juliâo Sarmento desea proveer a su obra.
Citas textuales no alusivas a la imagen, “mots dans la peintures”, palabras o frases en latín, portugués e inglés con referentes literarios a Pessoa, Flaubert, Bataille, Foucault… Sorprendido por la inesperada presencia de la escritura, el espectador se siente tentado a pensar, como si se tratase de una pista dejada por el mismo artista. Deberíamos seguirla.

Fotografia sense concessions

2011-07-07T11:14:00.000+02:00

“La bellesa serà convulsa o no serà”. Aquesta contundent cita d’André Breton era un del principals lemes dels surrealistes però tindria una total vigència proclamada avui dia. Si en el cos fotografiat en blanc i negre, fragmentat, transformat, sovint lligat, on la bellesa convulsa surrealista es personifica en obres de Man Ray, László Moholy Nagy o Schad en ple segle XXI ho veiem en artistes com Hans Peter-Feldmann, David La Chapelle o Joan Fontcuberta.
La fotografia, potser més que altres pràctiques artístiques, és esclava del temps. Cada imatge queda impregnada d’una realitat externa que automàticament es transforma en arxiu i memòria que es vincula a un moment determinat. Aquesta és la seva màgia.
Fins demà dia 8 de juliol la Galeria Fran Reus de Ciutat acull un recull de fotografies en blanc i negre de Gori Vicens (Palma, 1968) realitzades entre el 1998 i el 2009 a diferents “Gay Parade” del món. Sota l’epígraf “Pride” Around the Globe el va presentar amb una sonada inauguració la nit del 16 de juny i en el marc del festival de fotografia PalmaPhoto’11.
La carrera de Gori Vicens es divideix entre la creació publicitària i la fotografia.Ha treballat com a reporter gràfic per a la prestigiosa agència de premsa Cover i ha signat fotografies a revistes i diaris de tirada internacional. Des de l'any 2001, treballa entre Palma i Berlín, on edita i dirigeix la revista cultural DPALMA.
A “Pride” Around the Globe Vicens mostra imatges espontànies, un total de disset fotografies de gran format, enmig de les desfilades de l’Orgull a diversos indrets del planeta com Berlín, Londres, Los Angeles, Madrid, San Francisco, Lisboa, Nova York... Tot un cúmul de sensacions, de sentiments i d’experiències unides en un esdeveniment on la llibertat es nota a l’ambient i on un espectador amb l’ull a l’objectiu de la càmera en pot extreure les expressions més profundes. Aposta i desafiament de cossos exuberants i sexuals amb un tractament irònic, intentant cercar la seva complicitat i l’esperit de document. Gori Vicens proposa constantment la idea de perversió i erotisme, intentant unificar aspectes antagònics en el límit d’una situació: homes i dones, ordre i desordre, blancs i negres, positiu i negatiu, fons i forma..., contradiccions que al seu ull adquireixen bellesa formal.
Als anys vuitanta, Jeff Koons es va convertir en una nova estrella de l’avantguarda artística nord-americana. Qualificat com hereu de Warhol i Marcel Duchamp va revolucionar el món de l’art amb una irreverent estètica kitsch que va insuflar noves energies. Es va apropiar d’una icona de la cultura de masses com era Ilona Staller “Cicciolina” i la va convertir en la seva musa utilitzant el seu cos com un pintor utilitzaria un pinzell. La pornografia perdia la vergonya i el sentiment de culpa i es va materialitzar en fotografies i escultures tractades a l’oli en què ells dos feien l’amor en diferents postures en una sèrie que va anomenar Made in heaven.
Una constel.lació que derivava de Warhol i els seus efectes sobre les noves generacions, com el cas de Robert Mappelthorpe que tractava uns temes que van provocar moltes protestes en la comunitat nord-americana però els seus defensors es recolzaven en la llibertat d’expressió. En els seus treballs és obvia la càrrega de provocació i cruesa però que al barrejar-se amb conceptes com l’harmonia i la bellesa formal fa que es vegin primer com a obres d’art i després com a fotografies. L’escriptora Susan Sontag va escriure sobre ell i va afirmar en moltes ocasions que les seves fotografies no buscaven ser reveladores sinó que cercaven la Forma, l’essència de les coses i de les persones.
Mapplethorpe es movia en els cercles anomenats underground devora a d’altres artistes com Andy Warhol o John Giorno el poeta underground per excel•lència promotor de l'spoken word, nord-americà i que convertia els seus discursos fluids en una reflexió sobre el comportament humà i la societat nord-americana. Art de Nova York en un moment en que el seu jovent encara vivia l’eufòria dels moviments d’alliberament sexual dels 60. Un alliberament que es va veure frenat amb la sida; el món artístic va ser un dels més afectats quan va esclatar la malaltia a la dècada dels vuitanta; en poc temps ens van deixar actors i directors com Derek Jarman, Rock Hudson, estrelles de la dansa com Rudolf Nureyev, del rock com Freddy Mercury, artistes visuals com Robert Mapplethorpe, Ketih Haring o Félix González Torres, tots víctimes i promotors de la lluita per la consciència del fenomen de la sida. Un activisme artístic que prenia consciència de la malaltia, intentava superar la por i conceptes morals imposats per la religió i relacionats amb el sexe.
I em sembla necessari parlar de tota aquesta gent perquè van ser els pioners en la seva lluita, en defensar els seus drets davant l’opressió i la ignorància. Iniciatives i mostres del treball fotogràfic de Gori Vicens ajuden a revelar públicament la conquesta de la llibertat personal per continuar tenint-la present.

Perspectivas curiosas

2011-07-04T11:12:00.001+02:00

A finales de 2009 el Espai 13 de la Fundació Miró de Barcelona abrió un ciclo sobre el análisis visual del silencio y en la que cinco artistas de diferentes países lo representaban a través de fotografías, instalaciones y objetos. Mayte Vieta (Blanes, 1971) inauguró el proyecto a partir de una palabra y un concepto tan difuso como puede ser el silencio y en ese momento optó por unas fotografías en las que se veía desnuda dentro del agua. Pero no sumergida en una agua clara y transparente sino en un entorno oscuro, negro, con una negación absoluta de la luz y dónde sólo destacaba su cuerpo blanco e ingrávido. Un tríptico que en sí mismo, era una experiencia silenciosa y especialmente atractiva para el espectador.

Ahora con “La mirada transparente” presenta su última obra site-specífic para Maior con cinco fotografías, dos cajas de luz, dos esculturas y una instalación. Mayte Vieta dice que las palabras y el tiempo son los protagonistas, y para capturarlos nos los presenta a través del instante que ofrece la fotografía centrada en la naturaleza. Sigue una misma dirección plástica, bastante acertada, en la que nos sentimos transportados a enormes extensiones, en la que el hombre ni aparece porqué se convertiría en un intruso e insignificante espécimen.
Pero donde la artista parece sentirse más libre en este proyecto son en las instalaciones de factura complejacomo aparentemente simples; trabajos donde confluyen una sensibilidad plástica y el gesto delicado pero que no terminan de enlazar con el discurso anterior, coexisten diálogos buscados pero entremezclados con desconcierto.
La historia del arte, de Oriente a Occidente, ha elaborado imágenes dobles, la llamada polisemia visual, las perspectivas múltiples y las fantasías derivadas de paisajes extravagantes. Los espejos nos invitan a ser vouyeurs de escenografías casi secretas y visiones aparentemente inaccesibles. Esta multiplicidad de imágenes sitúan al espectador en una campo de cierta relatividad de la percepción y nos ofrecen un efecto hipnótico que nos descubre la belleza de la naturaleza en sus procesos más dilatados. Algo parece vivo dentro de un espacio inanimado y nos evoca la magia de la no-permanencia.

Un estiu fotogràfic

2011-06-30T16:12:00.000+02:00

El semiòleg francès Roland Barthes va escriure: “La fotografia repeteix mecànicament el que mai més es podrà repetir existencialment [..], és el testimoni del que veig o ha estat”. En aquesta teoria es refereix a la captura, la fixació de la imatge per congelar-la eternament, considerant que la fotografia només adquireix el seu valor amb la desaparició irreversible del referent.

Gràcies a la perfecció de la tecnologia, actualment tenim tantes imatges d’instants diferents d’una mateixa cosa, que de vegades no en sabem distingir la bona, la inequívoca. Si fem una visita als arxius dels centres fotogràfics ens trobem amb un cabal immens d’instantànies de qualsevol realitat contemporània que obliga a quedar-se amb un aspecte de la realitat, aquell que més ens convé. Per això hi ha els festivals de fotografia; per arreplegar, per triar, per mostrar-nos els que s’està fent i el que ha marcat la història. Fins al 24 de juliol el Festival PhotoEspaña 2011 és una ocasió extraordinària per conèixer projectes fotogràfics, vídeos i instal.lacions dels fotògrafs i artistes visuals nacionals i internacionals més destacats, així com el treball de nous creadors. En total, 370 artistes de 55 nacionalitats que es donen cita en 57 seus incloent museus, sales, galeries i centres d'art.
Una d’elles i que vaig tenir la sort de veure al Círculo de Belles Artes de Madrid: Ron Galella, Paparazzo extraordinaire!. Les fotografies de Ron Galella (Nova York, 1931), decisives en el naixement de la cultura de les "celebrities", i.llustren les canviants relacions entre la fama i la privacitat i la seva evolució en el temps. No és el mateix anar al darrera d’estrelles com Elizabeth Taylor o Sophia Loren com perseguir celebritats contemporànies com Paris Hilton. Una interessant mostra, amb més de cent fotografies que acaparen l’atenció de l’espectador, no te’n vols perdre ni una; ni les de Jackie Onassis passejant per Madison Avenue el 1971 ni la de Marlon Brando, que al juny de 1973, després d'una persecució pel barri de Chinatown, li va pegar un "dreta" a Galella que va fracturar-li la mandíbula inferior i li va trencar sis dents. Teniu temps de veure-la, us la recomano. Podeu aconseguir més informació de totes les mostres i activitats paral.leles a la web: www.phe.es
I durant tot l’estiu la fotografia serà present a Ciutat amb el PalmaPhoto que es va inaugurar amb gran èxit el passat 16 de juny, 17 galeries mostraran les seves propostes; des de Seydoi Keïta, Luis Gispert, Fernando Megías, passant per Carles Congost, Mayte Vieta, Montserrat Soto o Steve MacCurry mundialment conegut per ser l’autor de la imatge de la nena afganesa al campament de refugiats de Peshawar i després publicada a la portada del National Geographic.
Les fotografies de Gervasio Sánchez, que es presenten al CaixaForum de Palma, reflecteixen de prop la vida quotidiana dels habitants de Cambodja. Gervasio Sánchez, que va rebre el Premio Nacional de Fotografia 2009 per la seva tasca com a fotoperiodista independent en conflictes bèl.lics, que després publica a diaris com La Vanguardia o l’Heraldo de Aragón.
L’exposició vol aproximar el visitant a la realitat de Cambodja, un país que després de molts anys de guerra i sofriment mira cap endavant. És ben cert que els estats en conflicte amaguen els seus cadàvers, fan desaparèixer amb l’estigma del silenci el rastre de les víctimes. És una manera de fer invisible el crim, d’aquí la importància dels periodistes fotògrafs com ell que s’encarreguen de mostrar el rastre d’aquestes misèries i de fer visible la fotografia com a arma demolidora de la hipocresia dels estats criminals. I l’obra de Gervasio Sánchez també té cabuda en aquest PalmaPhoto 2011, que recordeu, teniu tot l’estiu per completar-ne la ruta.
Un darrer apunt fotogràfic: hom diria que, encara ara, a la societat li costa considerar la fotografia un art, ja que ni tan sols és reconeguda com a capital a l’hora de crear ens jurídics com ara fundacions, en comparació amb altres arts. La veritat es que desconec la situació en què queda el projecte de la Fundació Toni Catany Centre Internacional de Fotografia que el ple del Consell de Mallorca va aprovar el passat mes de desembre. La seva creació hauria de reunir el seu llegat a la seva localitat natal, Llucmajor, amb la vocació d'obrir-se món organitzant tallers i exposicions. Veurem en què queda tot això perquè els honors i els premis per ara els ha rebut més a fora i perquè la bellesa de les seves fotografies hauria de ser etiquetada com un bé de primera necessitat per tots els mallorquins.

Como el título de una canción

2011-06-27T09:42:00.000+02:00

Rafael Adrover (Palma, 1969) es un artista polifacético: la música, el diseño gráfico y la pintura le han permitido explorar un universo creativo que ahora se concentra en una exposición pictórica con apariencia fotográfica.

Bajo el epígrafe de “Objects of desire” se esconden obras que evocan estampas eróticas japonesas del siglo XIX de las que se debían encontrar en cualquier anticuario de París y que servían para satisfacer el placer visual de coleccionistas que accedían a esta forma de entender las relaciones carnales en el marco de su propia cultura y su tiempo.
El Shunga es un género visual japonés que tiene como tema la representación del sexo. Está vinculado con la creación gráfica conocida como “estampas del mundo flotante”, del periodo Edo (1603-1867). La principal característica, el agrandamiento de los órganos genitales y los rostros de sus protagonistas. Un monje que enseñaba a un discípulo a pintar shunga le decía: “Dibujar el pene con realismo no tiene interés: debes exagerarlo”.
Así, el arte respondía a una cultura en la que todos podían salvarse de las desdichas gracias al sexo. Daba para muchas leyendas como la de Taishokan, que convertida en un mito, evolucionó hacia una imagen de un pulpo sorbedor de vaginas. Símbolo de la femme fatale, una buceadora que tenía relaciones sexuales con animales marinos, que fue reinterpretada por artistas como Rodin, o Picasso (“La mujer pulpo”, 1903).
Los tentáculos del pulpo eran símbolo de amor, muerte, placer, sufrimiento…, e influyeron en algunos pintores románticos vinculados al decadentismo simbolista.
A toda esta amalgama de formas, símbolos y efectos se construye en pleno siglo XXI la obra de Rafael Adrover. Luego, la decadencia de la carne, la importancia del color, el efecto desenfocado, el uso de grafías…, conforman este proyecto para cerrar la órbita del deseo y de la experiencia. Figuras que hacen referencia al ser humano, imágenes vivas, expresivas, que transmiten, a través de su gesto, su espíritu.

Costurera contemporánea

2011-06-13T09:24:00.000+02:00

La obra de Teresa Matas (Tortosa, 1947) sigue un contenido autobiográfico centrado en un discurso femenino más que feminista que entronca con muchas otros artistas a las que también admiro como Claude Cahun, Kiki Smith, Germaine Richier, Diane Arbus o Louise Bourgeios que decía: “alguna gente está obsesionada con el pasado que mueren con esto. Si vuestra necesidad es rechazar, abandonar el pasado, tenéis que recrearlo. Tenéis que ser escultores”. Tenía razón pero no todo el mundo tiene esta maravillosa capacidad estética.
Teresa Matas habla de ella misma pero también otras mujeres; su arte es transmisor de la condición femenina, de sentimientos íntimos que poco a poco se van transformando en materia. Expansión, recogimiento, amor, sufrimiento, introspección… La tela sigue siendo el medio de expresión de su obra pero ha añadido el papel y el cartón a la difícil tarea de coser, esta acción de cerrar heridas y que expresa el itinerario más personal de Matas.
Jardín y paisaje de sombras, un concepto unido simbólicamente al cuerpo del alma, la parte oculta y oscura de las cosas, ese lugar inaprehensible donde conviven los miedos, los deseos o las angustias. Un terreno inquietante y dúctil que ha sido tema recurrente en la literatura, el cine y el arte.
Desde el punto de vista iconográfico el hortus conclusus se representa como un jardín cercado dentro del cual se encuentran las flores del conocimiento y la fuente de vida. Mariposas o cuerpos en los que los órganos errabundos, desprendidos del organismo funcionan con la intensidad del deseo (Gilles Deleuze).
Murales de gran formato que necesitan ser vistos por detrás, que piden un deambular de manera sutil y descubrir los verdaderos enigmas tanto para los sentidos como para la inteligencia.
Los hilos que deja sueltos en su narrativa funcionan como puntos de fuga a violencias, desajustes, imposiciones... Y también como la manera de entregar al espectador la punta del hilo para que éste continúe el relato. Teresa Matas fecunda obras impregnadas de sentido artístico en un mundo, desafortunadamente, creo que poco dispuesto a la contemplación.

2011-06-09T09:51:00.000+02:00

Amb motiu del PalmaPhoto 2011, promogut per l’Associació de Galeristes Art Palma, Centre Cultural Contemporani Pelaires i comissariat per Georgina Sas, s'estrena el projecte de "Video Art al carrer" per acompanyar el visitant en el seu apassionant recorregut per les diferents propostes expositives que cerquen mostrar les noves tendències de la fotografia contemporània internacional.

Ens fem ressò d'aquest esdeveniment cultural, i conscients de la importància artística de la fotografia, amb la intenció d'animar els ciutadans a participar, presentem tres vídeo-creacions de tres artistes: Mònica Fuster, Marian F. Moratinos i Isabel Castro Jung.

Unes projeccions de vídeo que convidaran a iniciar una reflexió sobre el que hem vist en l'espai públic i ens acompanyaran dia 16 de juny al llarg del recorregut per les galeries, a partir de les 21h.

"La Jacaranda", de Mónica Fuster

Una peça purament contemplativa, podria ser una pintura i els lleugers canvis que s’hi esdevenen, suggestions mentals i sensitives. El so ens fa perdre en els límits de l’espai i el temps, ens condueix a una nova interpretació del món d’una forma simbòlica. Al pati del CCC Pelaires, al carrer Verí 3.

"Pectinidae Wildlife", d'Isabel Castro Jung

Estem davant d'una imatge del fantàstic i el bell, que fa referència als dracs escamats com a símbol de fortalesa i monstruositat al mateix temps, com la sirena que habita els esculls i atrau amb els seus cants als navegants. Al Carrer Sant Gaietà, just davant de la porta del pati del Casal Solleric.

"Vértigo", de Marian F. Moratinos.

“Vértigo” gira entorn de la recerca de la llibertat i de la pròpia identitat, és un viatge simbòlic que serveix per reflexionar sobre la vida, i perquè no, sobre la mort. Una proposta que parteix d'una sensació que fa que res al nostre voltant estigui immòbil. Al carrer Sant Nicolau, a la façana de l'església.

Somnis persistents

2011-06-09T09:15:00.000+02:00

El que crida més l’atenció de Yayoi Kusama (Matsumoto, 1929) és que després d’imposar-se a l’escena artística novaiorquesa dels anys 50, no ha deixat mai d’impactar amb les seves propostes; ho va fer amb els seus escàndols als anys 60 i amb el fidel activisme feminista i la psicodèlia salvatge als 70. Que dugui 34 anys ingressada per voluntat pròpia a l’hospital psiquiàtric de Tòquio potser és ja una anècdota, tot i que la manera més habitual de pensar el treball de Kusama és en referència a la seva salut mental. Aquest problema esdevé la seva gran força motriu això és ben cert, establint-se un equilibri evident entre la seva malaltia, el marc de la història de l’art i els entorns culturals en els que ha operat al llarg del temps.
Una artista de 82 anys acabats de fer que no ha perdut ni el bon humor ni l'actitud rebel que s'amaguen al darrera de les seves habituals perruques de colors i tampoc l'esperit utòpic i anàrquic que l'acompanya des de petita.
Allò més interessant no és la seva bogeria sinó la manera de com l’ha conduit a través de la seva carrera; l’ha arrossegat de la mateixa manera que per a Louise Bourgeois ho varen fer els records d’infantesa i la relació amb la casa familiar.
Als anys 60 Yayoi Kusama va començar a conèixer el mitjà artístic com a pionera de les noves propostes: la japonesa estableix una relació polèmica amb el fal.lus, esdevenint una qüestió molt important per tota una generació d’artistes. El pensament del psiquiatra francès Jacques Lacan va desenvolupar un paper molt important en l’anomenada “identitat anatòmica femenina”, i el fal.lus era entès com a vehicle de domini de la vida pública i social, com a instrument d’autoritat entorn al qual giraven les lleis socials. Yayoi Kusama fou una precursora de l'art feminista, les seves performances, protagonitzades per dones, eren una negació del jo i un enaltiment de la dona com a col.lectiu. Els inicis dels seus treballs enllacen amb la poètica simbolista amb la característica iconografia oval de cor-vagina de les posteriors feministes, a les que segur continua inspirant.
Kusama és una dona que ha rebutjat la família i la llar i que s’ha llençat al món com a persona feta a sí mateixa, i això també es una declaració activa de feminisme.
La noció d’excés, la incapacitat d’aturar i el desig de continuar ad infinitum és una constant en la seva obra de la mateixa manera que el seu horror vacui d’estrident expressionisme. Potser els exemples més evidents siguin els famosos quadres de punts o les tires de deu metres de llenç que hi ha a l’exposició del Reina Sofia i que consisteixen a cobrir part d’un gest repetitiu. Aquest desig de cobertura és molt important i enllaça amb una altra paraula clau: obliteració. I aquest mot es defineix sobretot en una de les seves pel.lícules “Obliteration” (1968) en la que recull aquest gest reiteratiu que sorgeix en la seva pintura i comença a utilitzar-la en relació amb el món exterior. Es tracta d’un desig d’embolcallar-ho tot, de crear una mena de pell que la cobreix fins i tot a ella mateixa per aïllar-la del món exterior.
Darrera dels més de 150 dibuixos, pintures, collages, escultures, instal.lacions, pel.lícules i performances reunides en la primera exposició retrospectiva al nostre país que li dedica el Museu Reina Sofia, hi ha un únic objectiu: explorar la seva visió del món i establir un camí per a la recerca de la veritat.
Yayoi Kusama, considerada l'artista viva més famosa del Japó, continua creant i ampliant el ventall “d’espais infinits”, com ella els anomena, als quals deu la seva fama: instal.lacions de gran format on regna l'acumulació i la repetició de punts on ella hi veu energia i vida, dues de les obsessions que la mantenen en actiu. Admet que apareixen en moltes de les seves al.lucinacions infantils i que els ha anat transferint a les teles per exercir la seva creativitat.
El bosc creatiu de Yayoi Kusama està poblat d'autoretrats, cors, flors negres, selves fosques, butaques carregades de penis, jaquetes i diverses instal.lacions que són el resultat de la seva recerca infinita de l'espai en les seves “Infinity Mirror Rooms”, uns fascinants espais on els somnis i els malsons es multipliquen fins a acabar amb la presència de l'espectador.
Unes al.lucinacions convertides en art fins al 18 de setembre a Madrid i que la portaran, el 2012 al Pompidou de París, a la londinenca Tate Modern i al Whitney de Nova York.

Yayoi Kusama. Museo Reina Sofía

Santa Isabel, 52 (Madrid)

Fins al 18 de setembre

Fundiéndose como el queso

2011-06-06T09:12:00.000+02:00

Detrás de propuestas como esta, hay ideas redondas que estimulan al espectador y lo alteran para replantearse un cierto cariz. Una teoría inquieta y apasionada que se cuestiona conceptos de identidad y percepción en un montaje muy teatral, el resultado: inquietante. Una manifestación “multisensorial” que sitúa el foco conceptual en la percepción del visitante.

La propuesta de Carles Gispert (Palma, 1969) ganador del (¿último?) Projecte Capella que convocó en 2009 la comisión asesora de artes plásticas del Consell de Mallorca para poner en valor la singularidad de su espacio con sugestivas propuestas. Ojalá siga esta iniciativa, necesitaba consolidarse y mirar un poco más hacia el exterior.
Hace ya casi un siglo Marcel Duchamp planteó con sus ready-made una cuestión que antes nadie lo había hecho: ¿qué es una obra de arte? El urinario de Duchamp de 1917 desafiaba las convenciones con tres ideas envenenadas: el artista no es más genio que cualquier otro hombre, el arte sólo pertenece al mundo de las ideas y la sacralización de la obra de arte como pieza única e irrepetible es una estupidez. La famosa pieza de fontanería de porcelana blanca fabricada por Mott Iron Works marcó la historia del arte.
Un mundo aparentemente lúgubre, hasta me atrevería a decir apocalíptico, pero impregnado de buena fe, porque allí reconoces lo tuyo propio pero también lo ajeno a través de objetos, y sobre todo un espacio enrarecido exponente de una o incontables vidas. Entrañas de cera, la parte orgánica y espiritual del proyecto que evocan los miedos y lo efímero, como un elemento que se deshace al igual que los “relojes blandos”, uno de los símbolos iconográficos más importantes de Dalí.
Una espléndida video-creación, a pesar de su improvisada ubicación, con el apoyo de Biel Mesquida y Gabriela Solini que indaga de nuevo en la identidad, la representación y en las etapas de la vida. Desconcierto, alegría, buenas vibraciones y curiosidad se derivan de la propuesta. Su visión de la vida a través del arte sigue cantando en clave de Jonathan Richman su “My love is a flower (just beginning to bloom).

Pasar de la narrativa a la poesía

2011-05-30T09:19:00.000+02:00

Pintura informal sin límites, rigurosidad y abstracción son los elementos básicos de la obra que el artista alemán Erwin Bechtold (Colonia, 1925) presenta de nuevo en Palma con su “pintura informal sin límites”, como él mismo define. Bechtold admite que el arte es como un virus del que no puedes lograr despegarte ni con los años, porque todo lo que se practicas con ímpetu, se extiende y perdura en el tiempo y en el alma.
Artista meticuloso y ordenado, quizá por su origen germánico, le gusta calcular al milímetro la situación de las obras ante el espectador; esta idea de racionalidad emocional la deja visible hasta en la disposición; en este caso una docena de lienzos, de medianos y grandes formatos, con algunas obras sobre papel de una elegancia y delicadeza exquisita.
Con una expresión simple, pero con fuerza, huyendo de lo bonito y lo decorativo, y rompiendo con todo lo superficial. De esta manera, Bechtold sigue sintiendo ‘la fortuna’ de crear con libertad. Una libertad que ya encontró en el París de los años 50 dónde contó con el apoyo de Fernand Léger, personaje que junto a Georges Bracque y Pablo Picasso simbolizaron un papel importante en la evolución y difusión del cubismo. Luego llegó Barcelona donde contactó con la vanguardia artística del momento: Antoni Tàpies, Modest Cuixart…
Como ha señalado el historiador Giralt Miracle, Bechtold llegó de su país al nuestro, cuando aquí se estaba gestando el informalismo, y rápidamente se convirtió en uno de los pioneros del estilo en estos pagos.
Pero fue la isla de Eivissa la que le sedujo de forma permanente, que se quedó a vivir en ella para siempre impresionado, según dice, por el contraste entre la luz y la sombra de la isla. Formó parte del llamado Grupo Ibiza 59 y más tarde del colectivo Syn. Una época dorada de color, de activismo lúdico y de constructivismo centro europeo, de ahí su investigación sobre el espacio a partir de colores sobrios, del contraste y su interés por el uso de una paleta reducida.
Como espectador es necesario observar detenidamente y luego entrar en el cuadro, percibir las texturas y sentir la materia. El arte es mucho más profundo y necesita de una meditación, que en estos tiempos donde el ejercicio de mirar se ha convertido en una tarea muy fácil, su pintura se transforma en un excelente ejercicio.

Algunes novetats editorials

2011-05-26T09:38:00.000+02:00

Aquest és un llibre que recopila un gran nombre de textos brossians al voltant del pintor Joan Ponç i que ens parla de les afinitats electives entre ells. Un llibre iniciativa de l’Associació Joan Ponç que segueix a la ja lloable edició que aquesta entitat va fer dels escrits de l’artista al llibre “Joan Ponç. Diari d’artista i altres escrits” el 2009.

El caràcter màgic i de bruixeria que impregna la poesia de Brossa dels anys 40 troba en Joan Ponç una altra figura diabòlica, la d’arlequí, que les creences populars relacionen amb l’infern. La seva amistat i els seus fruits, especialment al voltant dels anys de "l´incendi" de Dau al Set. La unió que hi hagué entre ells dos durant aquella època (fins que el pintor va marxar al Brasil el 1953) fou molt intensa. De vegades passaven nits senceres xerrant a un banc de la plaça Molina de Barcelona. La febre creadora que els envaïa podia donar lloc a pintures i poemes amb una gran afinitat. Símbols del mateix tipus, admiració pels seus predecessors com Miró o Foix; gustos compartits com l’astrologia o la màgia i idees anticlericals i de lluita per la llibertat. A cura de Glòria Bordons. Editorial Poncianes, 2010. Barcelona

Durant gran part de la història de l'Art la dona ha estat representada com simple objecte de bellesa, o com a portadora de valors de submissió i innocència d'acord amb el paper que els estava assignat pel poder establert tant en l'esfera pública com a la privada. Però al costat de les imatges, alguns artistes es van atrevir a posar al descobert actituds i facetes del món femení que segurament no eren ben vistes, però que sens dubte existien. Dones fortes, actives, pensants i autònomes es van colar subversivament en certs quadres dels segles XVIII o XIX.

El Museu Thyssen-Bornemisza de Madrid presenta fins al 5 de juny un recorregut per 121 obres en les quals es representa a la dona com a protagonista dels rols actius. A propòsit d’aquesta exposició s’ha publicat un excel.lent catàleg amb el mateix títol editat per la Fundación Colección Thyssen-Bornemisza / Fundación Caja Madrid. Els autors: Rocío de la Villa, Carmen Gallardo, Guillermo Solana i Amelia Valcárcel. Un total de 336 pàgines amb gairebé 200 il.lustracions.

És a finals de setembre de l’any 1545 quan Tiziano arriba a Roma, un any després aquella ciutat no tornarà a ser la que era, el Renaixement haurà perdut tota la seva esplendor.

La Roma d’aquella època l'ha convertit en la Ciutat Eterna, un indret misteriós que perdura en el temps i és el centre neuràlgic del poder. Una ciutat per la qual es mouen una sèrie de formidables personatges en la que es respiren intrigues: homes d'Església ambigus, mecenes esplèndids, dones de llegendària bellesa com Julia Farnese, i artistes de la talla de Tiziano o de Miquel Àngel. Un llibre que mostra com tots aquests fascinants personatges es mouen dins l'estret recinte d'una ciutat que viu i estima a l'ombra de la cort papal. Antonio Forcellino (Vietri sul Mare, 1955), un gran especialista en art del Renaixement, ens presenta el retrat d'una societat en el zenit de la seva pròpia dissipació que es troba a punt de caure sota la daga de la Contrareforma i de la Història. D’Alianza Editorial.

El 31 de maig de l’any passat moria a Nova York l’escultora Louise Bourgeois (1911-2010). L’any 1993, amb l’exposició que la va donar a conèixer internacionalment, l’artista i la galerista mallorquina Maria de Lluc Fluxà es van conèixer en el transcurs d’un sopar MoMA (Museu d’Art Modern de Nova York). Una relació que va durar disset anys i que la química que s’establí entre elles per les seves experiències viscudes es va acabar transformant en una intensa relació que va donar com a fruit un fascinant llibre d’artista editat per Lelong el 1999: “Metamorfosis”. En commemoració del centenari del naixement de l’escultora, s’ha publicat una edició facsímil del llibre que Origami arts ha presentat fa poques setmanes en exclusiva la fira Arts Libris 2011 a Barcelona. El llibre el podeu trobar a Lluc Fluxà Espai HC, al carrer de Can Ribera número 4 de Ciutat.

Javier Mariscal (València, 1950) juga i dissenya alhora. La Pedrera de Barcelona ha acollit fins a principis d’aquest 2011 una exposició d’un artista que va créixer i va trobar en la cultura underground dels anys setanta i vuitanta un aliat incondicional per desplegar tota la seva fantasia i per trobar un llenguatge propi que no s’ha cansat d’anar inventant.

Mariscal és dislèctic, tenia set germans més petits que sabien llegir i escriure molt millor que ell i va créixer amb l’autoestima per terra. Ho dissimulava dibuixant, dibuixant compulsivament.

La seva família en paper són Els Garriris, uns personatges fruit del seu imaginari i que semblen enfadats amb el món. “Quan dibuixo Garriris tinc la sensació que són ells els que decideixen tot", explica el dissenyador en el pròleg de 'Els Garriris' (Sins Entido) , que reuneix dibuixos, historietes, il.lustracions i pintures d'aquests personatges. Mariscal és un gran dibuixant, ell mateix ho dóna a entendre: “Sempre he pensat que dibuixant tot el que hi ha al meu voltant entenc millor el món”.

Ingenios Híbridos

2011-05-23T09:06:00.000+02:00

La especie humana ya está mezclada con otras. Se han iniciado procesos científicos que pretenden ampliar la diversidad genética del planeta con fines médicos mediante la creación de especímenes híbridos, mitad animal, mitad humano, con los que experimentar enfermedades y terapias. Ya hay células humanas en cerebros de ratón y de monos, así como ovejas que poseen hígados parcialmente humanos, corazones con células humanas y cerebros con huellas humanas. Otra cosa es pintarlos en un mundo aparentemente estremecedor pero impregnado de buena fe, la misma que impera toda la obra de Miquel Mesquida (Manacor, 1954).

Sus obras siguen la lógica extraña del gran enigma del arte: una razón incómoda que invita a entrar pero que a la vez, te expulsa. Por eso esta exposición en Pollença se queda con la carne pero no con el cuerpo y toda su complejidad existencial y orgánica. Dibujos, pinturas y esculturas donde aparecen personajes con aspecto de querer transgredir la razón pero que captan los propósitos, alteradores de las apariencias y deformadores de personas y cosas, porque al fin es una necesidad de transmitir y comunicarse. Las propuestas de Mesquida me parecen escenarios emocionales más que expresiones conceptuales de una idea. Determinados personajes chocan repentinamente, provocando una especie de explosión perceptiva que no nos puede dejar indiferentes.

En buena medida practica el prospicere, mira a lo lejos, quizá hacia el Renacimiento, cuando Leonardo Da Vinci diseñaba desde catapultas a artilugios voladores, pasando por zapatos para andar sobre nieve y agua a ingenios militares. Con un poder creativo y artístico que parecía no tener límites afirmaba: “La pittura é una cosa mentale”. Este alegato puede comprobarse también en la propuesta de Mesquida: libre y colorista con la que desnuda su interior de una forma lúcida e invita enseguida a la reflexión.
Obra muy sensual que explora ciertos aspectos de la esencia humana con acierto. Una manera de plasmar sentimientos ocultos por lo que tienen sus figuras, casi monstruos, de flirtear con el mundo real.

Ensayar la mirada

2011-05-16T09:07:00.000+02:00

Lo que a un niño sorprende de un adulto es su incapacidad para la magia pero hay artistas capaces de crear con una inusitada frescura.

Cuando Baltazar Torres (Figueira do Castelo Rodrigo, Oporto, 1961) era pequeño pensaba que nunca sería adulto, estaba siempre distraído, jugando, no le gustaba salir de casa porque en ella creaba su propio universo. Y sigue haciéndolo, miniaturiza al hombre contemporáneo: observando, apuntando, mirando por la ventana, en soledad, incluso desesperado puede que por la pérdida de humanidad de la sociedad, un delirio de los países llamados civilizados.
Diversas y curiosas escenografías, pequeños hombrecillos realizando acciones muy diversas y con un parecido indiscutible con su propia figura, otro estilo de autorretrato como en su momento hicieron Basquiat, Picasso, Bacon o Schiele.

Baltazar Torres ironiza así sobre la concepción de la vida como un sueño, como el de Calderón de la Barca, uno de los experimentos dramáticos más portentosos del teatro barroco español. Baltazar Torres trata a la vida como si fuese algo irreversible con muerte y abismo incluidos, hay muy de teatral en sus representaciones. Luego da inicio la reflexión.
Una muestra que coincide con el décimo aniversario del Espai Quatre, según Neus Cortés, un periodo que ha pasado pronto, casi sin darse cuenta. El tiempo, presencia inaprehensible pero absoluta y marco general de toda vida, estructura que delimita nuestra experiencia.

Y experiencia es la que sentimos al observar, al descubrir estas curiosas instalaciones con la metáfora del desastre siempre presente: accidentes, talas de árboles, muerte, intimidación, asedio…
Las ciudades se desmoronan y el aluminio proporciona a Baltazar Torres este carácter dramático que nos hace recapacitar sobre las consecuencias del descuido aunque los desastres naturales tampoco perdonan, no debemos olvidar los terremotos de Haití o Japón y recientemente el de Lorca.
Kierkegaard dijo que la vida sólo se puede entender mirando hacia atrás, pero que se debe vivir mirando hacia delante. Intento seguir su consejo.