Entre lo racional y lo sensorial

La apuesta por el arte actual ha sido siempre el gran reto de las galerías de arte y en esto precisamente ha consistido su riesgo. Éxitos pero también fracasos han acompañado a la historia de muchas galerías, elaborando la verdadera historia  de las vanguardias: es aquí donde yace su trabajo de precursor que no tienen las instituciones, más aún en la época actual. Se impone una cierta reflexión entorno la necesidad de nuevos rumbos.

El recorte económico en educación, cultura y arte se hace evidente en la poca inversión institucional, ante este desolador panorama, surgen iniciativas que revaloran la puesta de escena del arte que conserva, afortunadamente, la carta de la licencia poética y se le permite ocupar espacios tan terrenales como el que nos propone Louis21 The Gallery en su nuevo recorrido.

Su primera etapa era fresca y original, ciertamente notoria, pero no obtuvo la respuesta comercial ni conceptual que se merecía. Hoy, convertida en galería convencional, intenta hacerse un hueco en el panorama artístico de Ciutat y presenta hasta finales de esta semana la propuesta de dos jóvenes artistas.

La de Jordi Ribes (Barcelona, 1972) se basa en telas exuberantes de paisajes sin perspectiva, pletóricas de exotismo y color que me remiten a obras de Douanier Rosseau (1844-1910), uno de los principales precursores del arte moderno y cuya influencia va más allá de la temprana consideración del artista extraño. Los de Ribes son escenarios que trasladan al espectador a un espacio onírico con múltiples interpretaciones: delirios personales, escenarios estrambóticos, referencias a Vermeer, a la cultura popular o hasta a Magritte, por su carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas.

La escultora Clara Carvajal (Madrid, 1970) muestra un par de piezas realizadas con materiales sencillos y volúmenes compactos que extrae directamente de la naturaleza para transmitir, por un lado una cierta protección, por el otro una cierta sorpresa con una resolución formal que prevalecerá sobre cualquier otra referencia que pueda existir.

Martin Boyce: Premi Turner 2011

Des de fa vint anys se celebra un dels premis d'Arts Plàstiques més famosos i polèmics del eón: el Turner Prize. No hi ha any, sobretot des dels guardons més recents, que van constituir fites publicitàries en els mitjans, com les vegades en què van guanyar Damien Hirst (1995), Anish Kapoor (1991) o Tracey Emin (1999) amb la seva polèmica obra “My Bed”.

El passat 5 de desembre el fotògraf italià Mario Testino, famós per retratar el món de la moda i multitud de celebritats arreu del món, va presentar-ne la cerimònia, que per primera vegada en els 27 anys d'història del guardó, no es va celebrar en una de les seus dels museus Tate, sinó en el Baltic Centre de la localitat de Gateshead, una condició itinerant del premi per successives ciutats del Regne Unit, després dels Jocs Olímpics de Londres 2012.

Abans de l'estiu es sabien els nominats: Martin Boyce, George Shaw, Karla Black i Hilary Loyd,  i certes seccions de cultura dels diaris britànics, especialment The Telegraph, feien travesses sobre qui seria el guanyador. Tot estava calculat: els nominats eren un pintor, una escultora, una videoartista i un instal.lador, el que cobria l'espectre de les formes artístiques que el públic esperava d'un premi com el Turner.

L’escocès Martin Boyce (Hamilton, 1967) és una figura que cau bé: és professor de l'Escola d'Art de Glasgow, la ciutat escocesa que constitueix el veritable centre de la modernitat cultural al nord del Regne Unit, i la seva obra ironitza sobre estils del passat, com la taula de disseny modernista amb la que Boyce es va presentar al guardó i finalment es va proclamar guanyador.

L'artista, que va ser nominat pel seu treball a la galeria The Modern Institute de Glasgow, va representar a Escòcia a la Biennal de Venècia de 2009, i és un dels grans renovadors del llenguatge escultòric que sol explorar l'immens llegat deixat per la riquíssima tradició britànica. Boyce forma part també d'una generació molt particular dels artistes que va estudiar a la Glasglow School of Art.

A Library of Leaves és una instal.lació fràgil i poètica de forma rectangular, gens estrident i més aviat silenciosa, d’aquestes que defensen l’art difícil. En una entrevista publicada recentment al diari The Guardian, l’artista alemany Anselm Kiefer assegurava que “l’art és difícil, no es tracta d’entreteniment. Hi ha poca gent que pugui dir alguna cosa sobre art. És molt restrictiu”. Amb això Kiefer defensava la reflexió davant l’obra d’art i l’afirmació, que tant comparteixo, que comprar art no vol dir entendre-hi ni comprendre’l.

La peça de Boyce va ser triada pel jurat després de ser exposada a la galeria Eva Presenhuber de Zurich,  i evoca un parc melancòlic a través d’uns arbres metàl.lics i fulls de paper. Un treball concebut com un paisatge peculiar, el col.lapse de l'interior i el món exterior, però és més un paisatge íntim i personal que cal observar detingudament. Amb reminiscències a Alexander Calder i els seus mòbils, on res és estàtic, tot sura a l’espai i es lliura als equilibris i cadències que la gravetat pugui generar. Calder ja parlava de poesia, però també d’enginy, humor i ingenuïtat de les seves obres. Un altre escultor que va ser definit per Jean-Paul Sartre com l’artista que “menteix menys en el seu art”. A Ciutat ens queda el regal que Calder ens va fer l’any 1973: el mòbil “Nancy” situat davant el Palau de l’Almudaina.

Un pioner de l’escultura del qui segur Boyce n’és en gran mesura hereu, igual que molts altres creadors com la gran Louise Bourgeois, i innovadors icones del modernisme com Jean Prouvé i els bessons Joel i Jan Martel.

La instal.lació A Library of Leaves va ser ideada per Boyce a partir d’una taula de treball dissenyada per Jean Prouvé (1901-1981), un visionari de l’arquitectura prefabricada i autor de mobles exquisits. A partir d’ella, Boyce en fa un homenatge al Modernisme que tracta sobre l’espai, els espais entre les escultures i les escultures en sí mateixes.

25.000 lliures per una obra que alguns crítics han qualificat com la millor dels 27 anys d’història dels Turner. Aquí comença el debat sobre el que constitueix l’art, en aquest sentit us recomano la lectura de “La querella del arte contemporáneo” de Marc Jiménez, on certes polèmiques i debats oposen a defensors i detractors de la creació artística dels nostres dies.

Poéticas de intervención

En noviembre de 1955 se creó con un capital inicial de un millón de dólares la Fundación Juan March. Como los grandes capitalistas anglosajones, March buscaba el reconocimiento social del mundo de la política y de la cultura, en un momento en el que había alcanzado la cima de su riqueza.

Su sede, en la calle Sant Miquel, fue erigida en 1917 por obra del arquitecto Guillem Reynés. March tenía allí un despacho majestuoso, un salón estilo Luis XVI, un drawing room con frisos de Darío Vilas y Fausto Morell, y una espectacular escalera de mármol de carrara que aún da acceso al reconvertido en 1990 en museo de arte contemporáneo.

Una de sus salas acoge estos días una muestra de lo que significó en el mundo del arte, esta sí una gran personalidad, el galerista y marchante de arte Leo Castelli (Trieste, 1907-1999). Cincuenta años marcando una forma de comprar y exponer obras de arte que convirtió Leo Castelli en un todo un empresario galerista. Descubridor de los artistas del pop norteamericano e inventor de un mercado frenético e incontenible por la crítica europea y los ricos clientes americanos. Un talento avanzado a su tiempo, con una intuición casi infalible para comprender el complicado engranaje del mercado moderno y los secretos del marketing.

El primer contacto de Castelli con la Fundación Juan March fue a finales de los años setenta con un préstamo de obras, aunque que no es hasta 1988 cuando la Fundación March en Madrid acoge una exposición de 60 obras de los fondos particulares del galerista.

Con motivo de su 90 cumpleaños uno de sus hijos le regaló un porfolio de 9 grabados muy vinculados a su trayectoria, con obras de Jasper Johns, Richard Serra, Robert Rauschenberg o Bruce Nauman. La edición fue de 90 ejemplares 88 de los cuales Castelli repartió por museos e instituciones vinculadas para mostrar a modo de homenaje sus grandes pasiones.

Una muestra más sentimental que grandiosa pero que nos acerca a una de las figuras más importantes del arte contemporáneo.

Lo sabían muy bien los surrealistas

Una instalación de Rebecca Horn, Las Amantes, heredera de una de Marcel Duchamp, hacía un curioso homenaje a la pintura en 1989; un mecanismo dirigido por un robot ejecutaba una obra mural en la pared con tinta negra y champán rosado.

El azar mecánico tenía la potestad de elaborar una obra de arte, convirtiéndose obra y artista al mismo tiempo. El desaparecido modisto Alexander McQuenn se inspiró en esta obra para su colección del año siguiente.

Abstracción pura, rítmica y musical es la que consigue Antonio Paucar (Perú, 1973) en su conjunto de obras que presenta estos días en la Galeria Maior de Ciutat: una performance de la que ha quedado una impactante instalación, pero también obras sobre papel y un vídeo titulado Calligraphy of the dancers Wood and Plastic, y que nos acerca a los recorridos de tinta que plasma en sus papeles con total libertad de movimiento, de los que en su día Rebecca Horn propuso en su homenaje pictórico.

La obra de Paucar es poética; son composiciones complejas, de formas fluctuantes, trazadas en el papel por unas peonzas y que relacionan en un orden inestable una escritura poética de componentes instintivos.

La performance Mapa Vascular; a través de unos decantadores, vino tinto y pajitas, consigue establecer un recorrido en movimiento que transita por las paredes de la galería. Paucar toma la línea de la mirada como un cómputo de los días y la memoria. El efecto es impecable: el dibujo se hace cuerpo e invoca a la circularidad del tiempo y de la mente, una idea que Nietzsche nos lanzaba como el reto de desear vivir de nuevo cada momento del tiempo una vez y otra. Imagen terrible de la eternidad que tensa el arco de la vida hasta los límites.

Con el título de La circulación del pensamiento Antonio Paucar explicita este afán por seguir adelante para experimentar, descubrir e investigar nuevos formatos y nuevas expresiones. Con ello articula esta necesidad de salir de una vía y volver por otra al punto de partida.

El talent dels visionaris

Tot va començar amb un regal d’aniversari. En motiu dels 90 anys del conegut col.leccionista i marxant d’art Leo Castelli (Trieste, 1907- Nova York, 1999), el seu fill va decidir fer-li un regal molt especial: un portfoli que incloïa 9 gravats de 9 artistes molt vinculats a la seva galeria novaiorquesa: Jasper Johns, Ellsworth Kelly, Joseph Kosuth, Roy Lichtenstein, Richard Serra, Robert Rauschenberg (el primer artista nordamericà que va descobrir), James Rosenquist, Edward Ruscha i Bruce Nauman.

Leo Castelli va emigrar d’una ciutat del nord d’Itàlia, va recalar uns anys a París i va marxar als Estats Units fugint del feixisme. L’any 1957 va obrir una galeria d’art al 420 del West Broadway en un moment en què s’iniciaven moviments artístics tan importants com l’Expressionisme Abstracte o l’Art Pop.

Uns anys en que Castelli va coincidir amb un nou estil de vida, el conegut way of life, possible gràcies al boom de la publicitat i la disminució de la qualitat dels productes, amb la finalitat que tinguessin menys temps de vida útil, i que fos necessari comprar-ne de nous. Vaja, un concepte de vida estès en la geografia i el temps.

Cinquanta anys marcant una manera de comprar i exposar obres d’art que va convertir Leo Castelli en un tot un empresari galerista, en un escenari molt diferent d’avui dia, petit i interconnectat. Descobridor dels artistes del pop nordamericà i inventor d’un mercat frenètic i incontenible per la crítica europea i els rics clients americans.

Un talent avançat al seu temps amb una intuïció gairebé infal·lible per comprendre el complicat engranatge del mercat modern i els secrets del marketing.

Nascut a Trieste el 1907, quan la ciutat formava part de l’Imperi austrohongarès, amb el nom de Leo Krausz la família es va veure obligada per les lleis racials de Mussolini a canviar el seu nom per l’italià de Castelli. La seva és una història familiar que ens pot remetre al Renaixement, perquè tots els seus antecedents formen una base genètica forjada per segles de persecució social i política, que segurament va provocar en aquest home una habilitat excepcional per la negociació entre els diners i l’art. L’any 1924 es va llicenciar com advocat i es va traslladar a París on va treballar, primer pel Banc d’Itàlia fins que, ja molt interessat pel món de l’art i encoratjat per la seva primera dona, va decidir obrir una galeria a la Place Vendôme. La Segona Guerra Mundial el va fer emigrar a Amèrica, i en poc temps la seva galeria del Soho es va convertir en el destí més preuat dels artistes joves, les seves gestions garantien compradors segurs. Un exemple: l’any 1958, quan Rauschemberg va exposar per primer cop a la galeria va comprar la seva obra Bed per 1.200 dòlars, trenta anys després estava valorada en 10 milanos.

Leo Castelli va ser un home culte però sobretot va tenir una gran habilitat social i econòmica, convertint-se en el primer galerista que va aconseguir el monopoli artístic de Nova York durant gairebé cinc dècades, abanderant l’art-pop o descobrint talents com Andy Warhol, Jackson Pollock o Jasper Johns del qui es va extasiar amb la seva obra Flag, en que art i obra s’havien fos en una mateixa cosa i que anunciava el naixement de l’art pop. Avui dia la bandera de Johns és una de les obres més famoses i valuoses, l’any 2010 va ser subhastada a Christie’s per 30 milions de dòlars.

Els americans consideraven Castelli un europeu típic; diletant, aficionat a la vida social, vividor i apassionat del gènere femení. Gran amfitrió de festes, fou l’home que va regnar durant dècades a la ciutat dels gratacels i que des d’allí, va reconquerir l’Europa que havia abandonat anys abans amb una xarxa de galeries satèl.lits.

El primer contacte de Leo Castelli amb la Fundació Juan March data de finals dels anys setanta amb un préstec d’obres, tot i que la col.laboració més estreta es va produir l’any 1988 amb una exposició que la Fundació March a Madrid va posar per títol Colección Leo Castelli, a la que hi va acudir personalment i va aprofitar per parlar sobre els seus artistes espanyols destacats entre els que es trobava Miquel Barceló; aquell any 1988 coincidia amb el seu primer viatge a l’Àfrica i era a punt de presentar la seva sèrie de quadres blancs.

Leo Castelli va complir sempre la seva premissa: no abandonar mai els artistes amb els que s’havia compromès en el seu dia i també, i potser més difícil, convèncer a la crítica europea que els seus artistes eren els millors del món.

Ara aquest regal de 90 conjunts dels que Leo Castelli es va quedar el primer i el darrer, volten pel món. El portfoli 82/90 amb els 9 gravats es pot contemplar a Ciutat fins al 4 de febrer amb Un homenaje a Leo Castelli, una exposició sentimental i significativa d’una de les figures més importants del mercat de l’art contemporani.

Extracto de vidas

En ocasiones el paisaje pide distancia para poder verse como tal, para poder articularse como discurso, ya lo hacían las representaciones pictóricas del siglo XIX de Rosseau o Corot con su análisis escrupuloso de la naturaleza.

La relación que establece el artista contemporáneo con el paisaje y con los escenarios de su entorno, establecen una mirada de gran intensidad donde la ilusión óptica es parte esencial del acontecimiento.

El concepto que Montserrant Soto (Barcelona, 1961) refleja en sus obras rodea el concepto del paisaje actual, el intervenido por el hombre, aunque sin su presencia.

Nos inmortaliza entornos urbanos, espacios arquitectónicos, escenarios reales vinculados a la ciudad, la cultura y el arte, que a menudo pasan inadvertidos, pero que reflejan la intervención humana y la huella evidente como señal incuestionable de su paso.

Montserrat Soto posee una sólida trayectoria internacional, y con los años ha ido ampliando recursos; ya no sólo en pintura y fotografía, sino también en vídeo y en instalaciones que buscan argumentos que tengan una sólida base conceptual.

Su obra está marcada por una cierta hibridación de campos estéticos como la arquitectura, la escenografía cinematográfica, la ficción teatral o la visión pictórica, en una obra que desea mantener en el ámbito de la creación ciertos prototipos y modelos en todos estos ámbitos.

Fotografías de gran formato  fruto del estudio de la artista a través de sus viajes y de una experiencia de soledad, en un mundo el nuestro, poblado de imágenes sombrías y melancólicas.

Esta exposición tan mínima que la ha traído de nuevo a Palma nos muestra cuatro piezas en la que reflexiona el concepto de espacio como lugar de trámite, puede que esas puertas y sus dispositivos antipánico anticipen, a modo de premonición, lo que está por llegar.

Montserrat Soto admite que el espectador debe enfrentarse a escenas donde no pueda esconderse , hacia situaciones extrañas, pero en ningún momento desconocidas. Me recuerda a otro creador apasionado del paisaje: Perejaume, y en su experimento en establecer relaciones de afecto con las cosas no humanas. Asegura que es urgente que dejemos de vivir de espaldas al paisaje, y debe ser cierto.

El mito trágico

Proponer el dibujo en tiempo de mirada electrónica y visualidad hipervirtual resulta sorprendente. Pero esta herramienta tan antigua como la humanidad significa un trayecto de síntesis para la vida Sandra Vásquez de la Horra (Chile, 1967).

La artista afincada en Colonia presenta estos días en la galería Kewenig dibujos en hojas de papel realizados con mina de plomo y cubiertos de una fina capa de cera, un efecto que proporciona intemporalidad a la obra y a la vez lo protege, evocando la permanencia. Una permanencia que nos remite a referentes visuales de obras de Dante, Baudelaire, Rimbaud o André Breton.

Precisamente fue el movimiento surrealista el primero de la historia de la cultura y el arte que acogió con cierta normalidad más mujeres creadoras, aunque una gran parte de las surrealistas fueron musas y amantes de muchos otros artistas masculinos que buscaban en ellas una “belleza convulsa”, la misma que propugnaba Breton en sus manifiestos como le beau comme. Esta fórmula metafórica que junto a la prosa de Isadore Ducasse (Montevideo, 1846-París, 1870) utilizaron artistas como Salvador Dalí para realizar series de dibujos donde la violencia desmoralizante sustentó parte de su imaginario paranoico para Los Cantos de Maldoror.

Sandra Vásquez de la Horra impregna sus dibujos de cultura popular, de mitos, de cuentos de hadas, de sexo, de muerte y de recuerdos personales relacionados con su Chile natal y la dictadura de Pinochet. Un compromiso para con el cambio social y la justicia, como continuación de las batallas que libró desde sus épocas de juventud en Chile en contra otra dictadura más que instauró la “pedagogía del terror”.

La artista chilena nos presenta unos dibujos con un lenguaje plasmado e interesado en la huella, en la textura, en la tipografía, en la sorpresa y en la acumulación,  pero resulta innegable la energía que transmiten dispuestos temporalmente en las paredes de la capilla formando una estructura narrativa llena de intuición e ingenio.

Dramas de la historia humana causados por la ambición, el poder, la religión, el odio, la melancolía o la muerte, pero también por el amor y la palabra escrita que, en general, refuerza el misterio de las composiciones pero ayuda a disminuir la distancia respecto al espectador.

Vidas ocultas, necesidades terrenales

En ocasiones el alcohol recompone nuestro orgullo roto pero los fármacos de última generación nos prometen volver más inteligentes, más amados, más sociables o más eficientes. El ser perfecto puede estar en un bote de pastillas.

Yolanda Adrover (Felanitx, 1977) nos propone con su obra metáforas y ejercicios ópticos que nos acercan a un mundo que oscila entre lo oculto y lo evidente. Porque si algo hay en sus historias es un férreo dogma en las vivencias humanas de las que me atrevería a llamar invisibles, de las que castigan, y nos remiten muy delicadamente a experiencias agredidas y confinadas.

Adrover nos muestra sus habituales interrogantes sobre el paradigma de las relaciones entre la mujer y el arte, usa el acento literario para construir poéticamente escenas donde la mujer expone su papel escondido en la sociedad, y a modo de pantallas presenta un juego de volúmenes, de densidades, con pulcritud ejecutiva, que animan a expresar emociones y sentimientos. Tan rigurosa como sensible, Adrover exhibe sencillez y nos muestra la importancia de la costura y los hilos en nuestra vida, de lo que esta acción representa  en nuestra cultura y su vinculación con la mujer.

Esta última semana volvieron los disturbios en El Cairo; crueles imágenes mostraban como la policía militar arrastraba mujeres y arrancaba sus prendas, dejando al descubierto su intimidad, aquella que ellos mismos ocultan, censuran y arremeten. Precisamente, la instalación de Yolanda Adrover trata el tema de la identidad y convierte la rejilla de tela de los burka, en un fragmento de media, otra pieza que había permanecido oculta durante siglos de las miradas ajenas, hasta que en los años veinte la moda à la garçonne invadió Europa y la mujer tuvo la oportunidad de mostrar esa parte de su propio cuerpo.

Adrover sigue la estela de otras artistas que han tocado la temática femenina e incide desde la melancolía, y en un contexto postmoderno, en mostrar figuras enfrentadas a la vida fugaz de las cosas terrenales, y al paso inexorable del tiempo. Un tiempo que según para que cosas no cuenta.